Artissima

Sophie Ko (Tbilisi, 1981) vive e lavora a Milano. Al centro della ricerca dell’artista c’è il concetto di tempo che viene esplorato nella sua forte relazione simbolica con i materiali utilizzati – per lo più ceneri di immagini bruciate e pigmenti puri – e le immagini create. Il mutamento e l’instabilità dei materiali in relazione allo scorrere del tempo sono dunque alcune delle costanti della sua ricerca artistica. Le Geografie temporali, ad esempio, costituiscono l’esemplificazione di un’opera eternamente sospesa tra l’atto della creazione e quello della distruzione, in cui l’immagine è sottoposta a un continuo processo di modificazione attraverso il collasso lento e inesorabile della materia di cui è costituita. Concepita attraverso una negoziazione concettuale e formale tra scultura e pittura, questa serie di opere mette in scena “un legame fatto di peso, di pressione, di gravità e di distruzione del tempo sulle immagini, ma anche di formazione, di profondità, di ritorno e rinascita rispetto al trascorrere del tempo.” Metafore pregnanti della caducità e mutevolezza dell’esistenza, ci ricordano della traiettoria di vita che tracciamo, parallela a un movimento di collasso, lento ma persistente.

Tra le mostre personali: Renata Fabbri, Milano (2015, 2018 e 2023); Contemporary Locus, Bergamo (2023); Postmasters Roma, con Marta Kucsora (2023); Museo Marino Marini, Firenze (2022); EAST Galerie, Strasburgo (2022); Galleria de’ Foscherari, Bologna (2016 e 2021–22); BUILDINGBOX, Milano (2021); BUILDING Gallery, Milano (2020); Ca’Pesaro – Galleria Internazionale d’Arte Moderna, Venezia (2019); The OpenBox, Milano (2018). Le recenti mostre collettive includono: Palazzo Ducale di Gubbio (2022); Fondazione Malvina Menegaz, Castelbasso (2021); Albergo delle Povere, Palermo (promossa da RISO – Museo regionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Palermo) (2021); Palazzo Barbò Torre Pallavicina, Bologna (2021); MAC – Museo d’Arte Contemporanea di Lissone (2021) e Renata Fabbri, Milano (2020), tra le altre. Nel 2016 Sophie Ko ha vinto il Gran Premio della Pittura al MAC di Lissone.

Matthieu Haberard (Tolosa, 1991) vive e lavora a Parigi. Nel 2013 ha conseguito una laurea in Belle Arti presso l’ISDAT di Tolosa e nel 2016 un master in Belle Arti presso l’École nationale supérieure des beaux-arts di Parigi. Spaziando fra linguaggi espressivi eterogenei, la ricerca di Haberard indaga la soglia che separa l’infanzia dall’età adulta. È in questo limbo ambiguo e carico di potenzialità che la poetica dell’artista prende forma, in bilico fra fantasie fanciullesche – combattimenti, metamorfosi, imprese titaniche e prodezze – e l’ironica rappresentazione del reale. Attraverso uno sguardo ludico e attento nei confronti della contemporaneità, Haberard crea sculture che si rifanno all’immaginario cavalleresco del Medioevo: maschere, elmi, spade, scudi, armature minuziosamente decorate e realizzate artigianalmente con materiali semplici come legno e cartone. Intese come reliquie di epoche passate e battaglie fittizie, le sue opere – desemantizzate e private della loro funzione difensiva – ci ricordano quel labile confine che sussiste fra il gioco e la violenza, l’innocenza e la malizia, il desiderio infantile e la disillusione dell’età adulta. I suoi disegni sono invece spesso ispirati ai modelli marziali tradizionali cinesi e giapponesi, distillati fino alla loro riduzione più minimalista.

Tra le recenti mostre personali: Gianni Manhattan, Vienna (2017, 2019 e 2022); Renata Fabbri, Milano (2021); L’assaut de la menuiserie, Saint-Étienne (2021) e École nationale supérieure des beaux-arts, Parigi (2016). Il suo lavoro è stato inoltre presentato in numerose mostre collettive, tra le quali: Palais des Beaux Arts, Parigi (2020); Galerie Hussenot, Parigi (2020); Renata Fabbri, Milano (2020); Minimarket, Parigi (2019); Bwa Gallery, Varsavia (2019); Gianni Manhattan, Vienna (2019); Halle de la Villette, Parigi (2019); Fondation Emerige, Parigi; DOC, Parigi; Wendy Gallery, Parigi (2018) e Fondation d’entreprise Pernod Ricard (2017). Nel 2022 Haberard è stato artista in residenza presso Maroquinerie de Guyenne in Saint-Vincent-de-Paul (Gironde), nel contesto delle residenze d’artista promosso dalla Fondation d’entreprise Hermès.

Lulù Nuti (Roma, 1988) vive e lavora fra Roma e Parigi. La sua ricerca indaga i sentimenti di responsabilità e di impotenza che la nostra epoca provoca sull’essere umano, sulla percezione della realtà, sulla trasformazione delle abitudini e sul rapporto con la natura. Partendo dalla convinzione che la materia sia dotata di una propria intelligenza in grado di veicolare informazioni che vanno oltre il limite del linguaggio, l’artista concepisce masse scultoree ed installazioni attraverso la sperimentazione di materiali da costruzione e metalli, spesso accostati ad elementi naturali. Contraddistinti per la convivenza di una sottile dualità tra presenza e cancellazione, rottura e solidità, resistenza e fragilità, i lavori di Nuti si modellano attorno all’incontro fra l’imprevedibilità della materia e l’intenzione dell’artista, in una ricerca continua fra equilibrio e tensione.

Dopo la laurea all’Ecole Nationale Supérieure des Beaux Arts di Parigi nel 2012, Lulù Nuti ha esposto le sue opere in Italia e all’estero, in istituzioni pubbliche e private tra le quali: Biwako Biennale (Fairy Tale, Giappone, 2012);  La Panacée (MFW, MO.CO., Montpellier, 2018); Istituto Italiano di Cultura di New Delhi (Living in the Chtulucene, India, 2019); Museo CAMUSAC (Rilevamenti 2, Cassino, 2020) e in gallerie private come: Galleria Alessandra Bonomo (Part 1, Roma, 2017); Galerie Italienne (La Musée, Parigi, 2020); Galleria Renata Fabbri (SOTTO, Milano, 2022).

Le mostre personali includono l’installazione site-specific per Sistema, presso il sito archeologico Case Romane del Celio (Roma, 2015) e Calcare il Mondo presso Galerie Chloé Salgado (Parigi, 2018). Nel 2018 ha fondato il duo artistico LU.PA insieme a Pamela Pintus, un’identità artistica che opera con azioni performative e opere site-specific.