Artefiera 2024

Athanasios Argianas (Atene, 1976) vive e lavora fra Atene e Londra. Radicata principalmente nella scultura, e spaziando tra pittura, testo, performance e musica, la sua pratica artistica è aperta, interdisciplinare e profondamente influenzata da un background in campo musicale. Interessato a come la musica possa occupare fisicamente uno spazio, o a come una forma naturale possa generare un brano musicale, Argianas indaga la fisicità della scultura contrapposta all’immaterialità della musica e del linguaggio, spesso utilizzando sistemi di traduzione inventati e arbitrari.

Hollowed Water, la sua prima grande mostra personale in un’istituzione pubblica nel Regno Unito, si è tenuta al Camden Art Centre di Londra nel 2020, poi itinerante ad ARCH, Atene nel 2021. Argianas ha realizzato mostre personali presso Renata Fabbri, Milano (2021–22); On Stellar Rays, New York (2017, 2015, 2013); Aanant & Zoo, Berlino (2015, 2013); Max Wigram Gallery, Londra (2011, 2009, 2007); The Breeder, Atene (2011, 2007) e Arcade (con Len Lye), Londra (2008), tra le altre.

Tra le mostre collettive: Madragoa, Lisbona (2022); Lisson Gallery, Londra (2016); Mor Charpentier, Parigi (2011); RODEO, Istanbul (2011) e Grimm, Amsterdam (2010).

Il suo lavoro è stato presentato alla 30ma Biennale di San Paolo (2012); documenta 14, Fridericianum, Kassel (2017); Kunsthalle Wien, Vienna (2016); Fondazione Prada, Ca’ Corner della Regina, Venezia, (2014); Performa 13, New York (2013); Tate Britain, Londra (2011); Serpentine Gallery Pavilion, Londra (2008) e The Barcican Art Gallery (2008).

Species Counterpoint, monografia sul suo lavoro, è stata co-pubblicata nel 2021 da Lenz, Milano, insieme al Camden Art Centre, Londra, e ARCH, Atene con saggi di Dan Fox, Quinn Latimer, Jennifer Kabat e un’intervista dell’artista con Martin Herbert.

Argianas ha inciso lavori sonori con l’etichetta Lo Recordings a Londra, e gestisce con Rowena Hughes Daedalus Street, un progetto che facilita lo sviluppo di nuove opere di artisti, invitati a lavorare nello studio di Argianas e Hughes ad Atene.

Sophie Ko (Tbilisi, 1981) vive e lavora a Milano. Al centro della ricerca dell’artista c’è il concetto di tempo che viene esplorato nella sua forte relazione simbolica con i materiali utilizzati – per lo più ceneri di immagini bruciate e pigmenti puri – e le immagini create. Il mutamento e l’instabilità dei materiali in relazione allo scorrere del tempo sono dunque alcune delle costanti della sua ricerca artistica. Le Geografie temporali, ad esempio, costituiscono l’esemplificazione di un’opera eternamente sospesa tra l’atto della creazione e quello della distruzione, in cui l’immagine è sottoposta a un continuo processo di modificazione attraverso il collasso lento e inesorabile della materia di cui è costituita. Concepita attraverso una negoziazione concettuale e formale tra scultura e pittura, questa serie di opere mette in scena “un legame fatto di peso, di pressione, di gravità e di distruzione del tempo sulle immagini, ma anche di formazione, di profondità, di ritorno e rinascita rispetto al trascorrere del tempo.” Metafore pregnanti della caducità e mutevolezza dell’esistenza, ci ricordano della traiettoria di vita che tracciamo, parallela a un movimento di collasso, lento ma persistente.

Tra le mostre personali: Renata Fabbri, Milano (2015, 2018 e 2023); Contemporary Locus, Bergamo (2023); Postmasters Roma, con Marta Kucsora (2023); Museo Marino Marini, Firenze (2022); EAST Galerie, Strasburgo (2022); Galleria de’ Foscherari, Bologna (2016 e 2021–22); BUILDINGBOX, Milano (2021); BUILDING Gallery, Milano (2020); Ca’Pesaro – Galleria Internazionale d’Arte Moderna, Venezia (2019); The OpenBox, Milano (2018). Le recenti mostre collettive includono: Palazzo Ducale di Gubbio (2022); Fondazione Malvina Menegaz, Castelbasso (2021); Albergo delle Povere, Palermo (promossa da RISO – Museo regionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Palermo) (2021); Palazzo Barbò Torre Pallavicina, Bologna (2021); MAC – Museo d’Arte Contemporanea di Lissone (2021) e Renata Fabbri, Milano (2020), tra le altre. Nel 2016 Sophie Ko ha vinto il Gran Premio della Pittura al MAC di Lissone.

Attraverso l’utilizzo di diversi stili e approcci esecutivi, Chris Rocchegiani (Jesi, 1977) esplora gli aspetti compositivi emergenti dalla sovrapposizione di segno e colore. I suoi dipinti si caratterizzano per la coesistenza di linguaggi eterogenei: elementi figurativi più o meno riconoscibili si confondono con parti gestuali e sintetiche, dettate dalla predominanza del segno e dell’azione, e aree indefinite di colore, dal carattere più lirico ed evocativo. Il suo linguaggio è plurimo e non lineare; retrocede e avanza, si presta all’esperienza visiva in momenti di maggiore o minore chiarezza, facendo dell’errore, dell’incertezza e della contraddizione gli attributi necessari di un’esperienza pittorica intesa come intimo esercizio di libertà.

L’assenza, l’esperienza al di fuori del corpo, la trasformazione della materia e il superamento dei limiti fisici sono alcune delle tematiche al centro della sua ricerca artistica. Questa idea di transizione e mutamento è accentuata da una tensione costante all’interno dei suoi dipinti tra maschile e femminile, umano ed animale, tra vita terrena e dimensione extracorporea. Nelle sue opere, gli opposti si amalgamano, i confini tra i generi e le specie si dissolvono e la morte stessa costituisce un passaggio essenziale per la metamorfosi dell’essere. Emblematica è la rappresentazione di animali selvatici come il lupo, simbolo del legame ancestrale con la natura e archetipo di salvezza, saggezza e intuitività; o ancora gli uccelli, che, anziché essere raffigurati in volo, sono fermamente ancorati nella scena, agendo come elementi che generano una tensione ascetica verticale.

Da sempre interessata alla natura trascendentale e spirituale della pittura, Rocchegiani si spinge al di là della materialità dell’esperienza terrena dalla quale essa trae origine. I suoi dipinti suggeriscono possibilità di vita più ampie, rompendo la convenzionalità dell’esistenza in cui ci confiniamo quando non siamo in grado di guardare oltre ciò che è strettamente “umano”.

Chris Rocchegiani si è diplomata in arti figurative presso l’Istituto Statale d’Arte di Jesi e ha conseguito la laurea in Graphic Design presso l’ISIA di Urbino. È artista, art director, docente di grafica presso l’ACCA Academy e docente di Basic Design presso il Dipartimento di Design e Architettura dell’Università di Camerino. È co-fondatrice di CH RO MO insieme a Roberto Montani, un duo di ricerca che si occupa di linguaggi visivi nel design e nell’arte; e fondatrice di Pensiero Manifesto, un collettivo di creativi tra cui artisti, grafici e illustratori, che utilizza i manifesti come strumento di pubblica utilità, coltivando pratiche di ascolto e restituzione alla comunità.

Nel campo del design, i suoi progetti sono stati premiati agli European Design Awards, agli Aiap Women Design Awards, dall’ADI (entrando nella rosa dei candidati per il Compasso d’Oro) e dalla Fondazione Cariplo per l’Innovazione Culturale.

Tra le mostre più recenti si ricordano: Pittura italiana oggi, Triennale Milano, Milano (2023); Linea 1201, MAXXI L’Aquila, L’Aquila (2022); Jumelles culturelles, Château de Mayenne, Mayenne (2022); La ripetizione, Projecktraum 145, Berlino (2021); I know you know that you know, Galleria Yudikone, Brescia (2020); Total Recall, Galleria Bianconi (2020), Milano; Libere Tutte, Casa Testori, Novate Milanese (2019); Diagrammi, Cripta747, Torino (2019).

Permeate da una sottile ironia verso la contemporaneità, le opere di Serena Vestrucci (Milano, 1986) sondano l’ovvietà delle piccole cose, dando voce a ciò che spesso è nascosto, dimenticato o messo in secondo piano. Attraverso un linguaggio giocoso, ma diretto e provocatorio, l’artista eleva l’ambiguità a elemento fondante per una comprensione più accurata della realtà.

Vestrucci ha esposto il proprio lavoro in mostre personali presso numerose istituzioni italiane tra cui: Casa Gramsci, Torino; Galleria Renata Fabbri, Milano; Galleria FuoriCampo, Siena; Galleria d’Arte Moderna, Verona; Museo Archeologico Salinas, Palermo; Marsèlleria Permanent Exhibition, Milano; Museo d’Arte Contemporanea Villa Croce, Genova; Galleria Ottozoo, Milano. Tra le mostre collettive: Palazzo Ducale, La Biennale di Gubbio; Palazzo Merulana, Roma; Palazzo Grillo, Genova; Museo MAXXI, Roma; Fondazione Stefan Gierowski, Varsavia; Fondazione Made in Cloister, Napoli; Fondazione Imago Mundi, Treviso; Fondazione Pastificio Cerere, Roma; Palazzo Reale, Milano; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino; Galleria d’Arte Moderna, Milano; Palazzo Del Medico, Carrara; Casa Testori, Novate Milanese; Blitz, Valletta, Malta; IIC, New York; IIC, Londra; IIC, Varsavia; IIC, Cracovia; Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia; FRISE Künstlerhaus, Amburgo; Casa Masaccio, San Giovanni Valdarno; Stedelijk Museum, ‘S–Hertogenbosch. Nel 2017 vince la diciottesima edizione del Premio Cairo e viene selezionata dal Comune di Milano per la realizzazione di un’opera pubblica permanente nell’ambito della commissione di arte pubblica ArtLine Milan