Loose Ends
Renata Fabbri è lieta di annunciare Loose Ends, un progetto a cura di Branka Benčić.
La mostra prende forma attraverso una serie di strategie instabili e temporanee di improvvisazione, ripetizione, sostituzione e riconfigurazione. Come il titolo fa riferimento all’irrisolto e all’incompleto, al vago e all’indefinito, la mostra si sviluppa come una serie di dialoghi provvisori che fanno eco ad un significato sospeso.
La mostra riunisce quattro posizioni artistiche, ognuna delle quali affronta prassi di riproduzione e conservazione, tentativi e ripensamenti, diverse procedure concettuali e formali in un processo che abbraccia/contempla il caso. Riflette sulle incertezze che caratterizzano il contemporaneo – paesaggi in trasformazione, economie di tensione e collasso, discontinuità spaziali e temporali.
Le opere che convergono in questa mostra indagano la materialità dei processi artistici nel loro articolarsi attraverso la produzione e l’esposizione. In particolare guardano ad aspetti di precarietà, instabilità ed effimeratezza inscritti a tali procedure, così come alle metodologie e alle modalità di produzione che le sottendono. La mostra è articolata attraverso una serie di elementi formali, analogie, giustapposizioni e reciprocità che caratterizzano questi lavori nella loro riconfigurazione di linguaggi minimalisti, post-minimalisti, concettuali ed astratti. Un certo aspetto performativo è innescato nell’inscenare/rappresentare relazioni tra gli oggetti e lo spettatore in una coreografia dello
spazio.
Siamo spesso portati a pensare che ogni azione sia proiettata verso un fine o uno scopo. Tuttavia c’è una distinzione tra le azioni che sono “mezzi per un fine” (“means to ends”) e quelle che non lo sono, che costituiscono un fine in se stesse.
Loose Ends esplora e attiva tali elementi di sospensione, un gap che divide la realtà di un oggetto, un’azione, un’immagine dal proprio significato. Uno spazio che rimane vago, definito da connessioni allentate o inesistenti tra parti diverse. Situazioni o azioni diventano articolate come possibilità e tentativi, sia per raggiungere, che per evitare o per tracciare nuovi fini o, ancora, per incorporare uno spazio senza fini. Aspettando che il significato venga re-inscritto, Loose Ends rappresenta una situazione di termini estetici, spaziali e concettuali per formare un linguaggio visuale di frammenti, forme temporanee instabili e precarie. Strutturata come narrativa frammentata, uno scenario di potenzialità sta emergendo all’orizzonte.
Renata Fabbri è lieta di annunciare Loose Ends, un progetto a cura di Branka Benčić.
La mostra prende forma attraverso una serie di strategie instabili e temporanee di improvvisazione, ripetizione, sostituzione e riconfigurazione. Come il titolo fa riferimento all’irrisolto e all’incompleto, al vago e all’indefinito, la mostra si sviluppa come una serie di dialoghi provvisori che fanno eco ad un significato sospeso.
La mostra riunisce quattro posizioni artistiche, ognuna delle quali affronta prassi di riproduzione e conservazione, tentativi e ripensamenti, diverse procedure concettuali e formali in un processo che abbraccia/contempla il caso. Riflette sulle incertezze che caratterizzano il contemporaneo – paesaggi in trasformazione, economie di tensione e collasso, discontinuità spaziali e temporali.
Le opere che convergono in questa mostra indagano la materialità dei processi artistici nel loro articolarsi attraverso la produzione e l’esposizione. In particolare guardano ad aspetti di precarietà, instabilità ed effimeratezza inscritti a tali procedure, così come alle metodologie e alle modalità di produzione che le sottendono. La mostra è articolata attraverso una serie di elementi formali, analogie, giustapposizioni e reciprocità che caratterizzano questi lavori nella loro riconfigurazione di linguaggi minimalisti, post-minimalisti, concettuali ed astratti. Un certo aspetto performativo è innescato nell’inscenare/rappresentare relazioni tra gli oggetti e lo spettatore in una coreografia dello
spazio.
Siamo spesso portati a pensare che ogni azione sia proiettata verso un fine o uno scopo. Tuttavia c’è una distinzione tra le azioni che sono “mezzi per un fine” (“means to ends”) e quelle che non lo sono, che costituiscono un fine in se stesse.
Loose Ends esplora e attiva tali elementi di sospensione, un gap che divide la realtà di un oggetto, un’azione, un’immagine dal proprio significato. Uno spazio che rimane vago, definito da connessioni allentate o inesistenti tra parti diverse. Situazioni o azioni diventano articolate come possibilità e tentativi, sia per raggiungere, che per evitare o per tracciare nuovi fini o, ancora, per incorporare uno spazio senza fini. Aspettando che il significato venga re-inscritto, Loose Ends rappresenta una situazione di termini estetici, spaziali e concettuali per formare un linguaggio visuale di frammenti, forme temporanee instabili e precarie. Strutturata come narrativa frammentata, uno scenario di potenzialità sta emergendo all’orizzonte.
Vlatka Horvat, Frame Painting (Felt Strip), 2018Cornice di legno, feltro, 37x39x5 cm.
Vlatka Horvat, Frame Painting (Felt Hole), 2018Cornice di legno, feltro, cartone ondulato, 55x55x3,5 cm.
Vlatka Horvat, Equivalents (III), 2014Da sinistra:
Pannello di argilla, nastro d'archivio per artisti, acrilico, 13x13 cm.
Pannello di legno, laccio di cotone 31x23 cm.
Pannello Claybord, feltro, schiuma, 24x31 cm.
Ištvan Išt Huzjan, Unnamed image, 2013Tessuto candeggiato, 16x(10×5) cm.
Dino Zrnec, Untitled, 2018Found cleats, telai frammentati, cotone, vetro acrilico, 100x50x5,5 cm.
Dino Zrnec, Untitled, 2018Found cleats, telai frammentati, cotone, vetro acrilico, 44x8,5x5 cm.
Ištvan Išt Huzjan, Unnamed figure, 2018Cornice e armatura in rete metallica, 2x79x87 cm.
Dino Zrnec, Untitled, 2018Vetro acrilico, telai tagliati, 50x25x4,7 cm.
Dino Zrnec, Unnamed figure, 2018Olio su cotone, 116,5x86,5 cm.
Sophie Ko, Geografia temporale, 2019Pigmento puro, cm 90x50.
Dino Zrnec, Untitled, 2017Olio su cotone, 116,5x86,5 cm.
Sophie Ko, Geografia temporale, 2019Pigmento puro, 140x80 cm.
Sophie Ko, Geografia temporale, 2019Pigmento puro, 140x80 cm.
Vlatka Horvat (Čakovec, Croazia, 1974) indaga i rapporti precari tra i corpi, gli oggetti, il contesto urbano e la natura, ridisegnando e immaginando i confini fisici, sociali, psicologici e ambientali che si sperimentano nella vita quotidiana. La sua pratica esplora il modo in cui le cose occupano, negoziano e condividono lo spazio e come i gesti di organizzazione e riorganizzazione delle relazioni spaziali svolgano anche un certo riordino delle dinamiche sociali. Horvat è particolarmente interessata a ciò che lei stessa considera come un insieme di relazioni disordinate, “problematiche” o disfunzionali, in cui elementi come l’equilibrio o la stabilità vengono compromessi e dove la funzione consolidata/abituale degli oggetti viene messa scherzosamente in discussione. Affrontando le possibilità di trasformazione e cambiamento, le sue opere rivelano una certa qualità speculativa o propositiva. L’artista mette spesso in atto alcuni rovesciamenti e inversioni dell’ordine spaziale e sociale stabilito, coinvolgendo oggetti, materiali, corpi, immagini ed elementi dell’architettura, ed inviando a ripensare la nozione di “limite” o di “margine.” In questo modo, molti dei progetti di Horvat sono organizzati intorno ad una serie di restrizioni autoimposte, una sorta di cornice basata su regole all’interno della quale si svolge un’attività. L’artista cerca di mettere in scena un incontro tra il suo sistema di regole e l’attività aperta, giocosa e improvvisata che si svolge al suo interno.
Vlatka Horvat vive e lavora a Londra, dove si è trasferita dopo aver vissuto venti anni negli Stati Uniti. Ha conseguito una laurea triennale in Teatro al Columbia College di Chicago, un master in Performance Studies presso la Northwestern University, Evanston, Illinois e un dottorato di ricerca alla Roehampton University di Londra. La sua produzione artistica spazia fra linguaggi eterogenei: dalla scultura all’installazione, il disegno, il collage, la fotografia e il video, abbracciando anche l’ambito della scrittura e dell’editoria. Tra le mostre personali: PEER, Londra (2022); GAEP Gallery, Bucarest (2020); Museo di Arte Contemporanea, Zagabria (2018); Renata Fabbri, Milano (2017); Museums Sheffield (2017); Wilfried Lentz, Rotterdam (2016); CAPRI Raum, Düsseldorf (2016); Zak | Branicka Gallery, Berlino (2015 e 2011); MMC Multimedia Centre, Pula (2014); Galerija SC, Zagabria (2014); Disjecta Contemporary Art Center, Oregon (2013); annex14, Zurigo (2013 e 2012); Boston University Art Gallery (2012); Rachel Uffner Gallery, New York (2012); Bergen Kunsthall (2011); The Kitchen, New York (2009) e Galerija Nova, Zagabria (2005), tra le altre. Le sue performance sono state commissionate da enti in Europa, Nord America e altri paesi, tra cui HAU Hebbel am Ufer, Berlino; LIFT – International Festival of Theatre, Londra; PACT Zollverein, Essen; Tanzquartier Wien, Vienna; Outpost for Contemporary Art, Los Angeles; KunstFestSpiele Herrenhausen, Hannover, e molti altri. Progetti futuri: Renata Fabbri, Milano (mostra personale con Tim Etchells); Phoinix, Bratislava; annex14, Zurigo (con Simon Callery); Museo di Arte Contemporanea, Zagabria e PUBLICS, Helsinki (mostra personale, parallelamente a Maarit Mustonen). Horvat è docente di Belle Arti al Central Saint Martins a Londra.
Vlatka Horvat (Čakovec, Croazia, 1974) indaga i rapporti precari tra i corpi, gli oggetti, il contesto urbano e la natura, ridisegnando e immaginando i confini fisici, sociali, psicologici e ambientali che si sperimentano nella vita quotidiana. La sua pratica esplora il modo in cui le cose occupano, negoziano e condividono lo spazio e come i gesti di organizzazione e riorganizzazione delle relazioni spaziali svolgano anche un certo riordino delle dinamiche sociali. Horvat è particolarmente interessata a ciò che lei stessa considera come un insieme di relazioni disordinate, “problematiche” o disfunzionali, in cui elementi come l’equilibrio o la stabilità vengono compromessi e dove la funzione consolidata/abituale degli oggetti viene messa scherzosamente in discussione. Affrontando le possibilità di trasformazione e cambiamento, le sue opere rivelano una certa qualità speculativa o propositiva. L’artista mette spesso in atto alcuni rovesciamenti e inversioni dell’ordine spaziale e sociale stabilito, coinvolgendo oggetti, materiali, corpi, immagini ed elementi dell’architettura, ed inviando a ripensare la nozione di “limite” o di “margine.” In questo modo, molti dei progetti di Horvat sono organizzati intorno ad una serie di restrizioni autoimposte, una sorta di cornice basata su regole all’interno della quale si svolge un’attività. L’artista cerca di mettere in scena un incontro tra il suo sistema di regole e l’attività aperta, giocosa e improvvisata che si svolge al suo interno.
Vlatka Horvat vive e lavora a Londra, dove si è trasferita dopo aver vissuto venti anni negli Stati Uniti. Ha conseguito una laurea triennale in Teatro al Columbia College di Chicago, un master in Performance Studies presso la Northwestern University, Evanston, Illinois e un dottorato di ricerca alla Roehampton University di Londra. La sua produzione artistica spazia fra linguaggi eterogenei: dalla scultura all’installazione, il disegno, il collage, la fotografia e il video, abbracciando anche l’ambito della scrittura e dell’editoria. Tra le mostre personali: PEER, Londra (2022); GAEP Gallery, Bucarest (2020); Museo di Arte Contemporanea, Zagabria (2018); Renata Fabbri, Milano (2017); Museums Sheffield (2017); Wilfried Lentz, Rotterdam (2016); CAPRI Raum, Düsseldorf (2016); Zak | Branicka Gallery, Berlino (2015 e 2011); MMC Multimedia Centre, Pula (2014); Galerija SC, Zagabria (2014); Disjecta Contemporary Art Center, Oregon (2013); annex14, Zurigo (2013 e 2012); Boston University Art Gallery (2012); Rachel Uffner Gallery, New York (2012); Bergen Kunsthall (2011); The Kitchen, New York (2009) e Galerija Nova, Zagabria (2005), tra le altre. Le sue performance sono state commissionate da enti in Europa, Nord America e altri paesi, tra cui HAU Hebbel am Ufer, Berlino; LIFT – International Festival of Theatre, Londra; PACT Zollverein, Essen; Tanzquartier Wien, Vienna; Outpost for Contemporary Art, Los Angeles; KunstFestSpiele Herrenhausen, Hannover, e molti altri. Progetti futuri: Renata Fabbri, Milano (mostra personale con Tim Etchells); Phoinix, Bratislava; annex14, Zurigo (con Simon Callery); Museo di Arte Contemporanea, Zagabria e PUBLICS, Helsinki (mostra personale, parallelamente a Maarit Mustonen). Horvat è docente di Belle Arti al Central Saint Martins a Londra.
Sophie Ko (Tbilisi, 1981) vive e lavora a Milano. Al centro della ricerca dell’artista c’è il concetto di tempo che viene esplorato nella sua forte relazione simbolica con i materiali utilizzati – per lo più ceneri di immagini bruciate e pigmenti puri – e le immagini create. Il mutamento e l’instabilità dei materiali in relazione allo scorrere del tempo sono dunque alcune delle costanti della sua ricerca artistica. Le Geografie temporali, ad esempio, costituiscono l’esemplificazione di un’opera eternamente sospesa tra l’atto della creazione e quello della distruzione, in cui l’immagine è sottoposta a un continuo processo di modificazione attraverso il collasso lento e inesorabile della materia di cui è costituita. Concepita attraverso una negoziazione concettuale e formale tra scultura e pittura, questa serie di opere mette in scena “un legame fatto di peso, di pressione, di gravità e di distruzione del tempo sulle immagini, ma anche di formazione, di profondità, di ritorno e rinascita rispetto al trascorrere del tempo.” Metafore pregnanti della caducità e mutevolezza dell’esistenza, ci ricordano della traiettoria di vita che tracciamo, parallela a un movimento di collasso, lento ma persistente.
Tra le mostre personali: Renata Fabbri, Milano (2015, 2018 e 2023); Contemporary Locus, Bergamo (2023); Postmasters Roma, con Marta Kucsora (2023); Museo Marino Marini, Firenze (2022); EAST Galerie, Strasburgo (2022); Galleria de’ Foscherari, Bologna (2016 e 2021–22); BUILDINGBOX, Milano (2021); BUILDING Gallery, Milano (2020); Ca’Pesaro – Galleria Internazionale d’Arte Moderna, Venezia (2019); The OpenBox, Milano (2018). Le recenti mostre collettive includono: Palazzo Ducale di Gubbio (2022); Fondazione Malvina Menegaz, Castelbasso (2021); Albergo delle Povere, Palermo (promossa da RISO – Museo regionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Palermo) (2021); Palazzo Barbò Torre Pallavicina, Bologna (2021); MAC – Museo d’Arte Contemporanea di Lissone (2021) e Renata Fabbri, Milano (2020), tra le altre. Nel 2016 Sophie Ko ha vinto il Gran Premio della Pittura al MAC di Lissone.
Sophie Ko (Tbilisi, 1981) vive e lavora a Milano. Al centro della ricerca dell’artista c’è il concetto di tempo che viene esplorato nella sua forte relazione simbolica con i materiali utilizzati – per lo più ceneri di immagini bruciate e pigmenti puri – e le immagini create. Il mutamento e l’instabilità dei materiali in relazione allo scorrere del tempo sono dunque alcune delle costanti della sua ricerca artistica. Le Geografie temporali, ad esempio, costituiscono l’esemplificazione di un’opera eternamente sospesa tra l’atto della creazione e quello della distruzione, in cui l’immagine è sottoposta a un continuo processo di modificazione attraverso il collasso lento e inesorabile della materia di cui è costituita. Concepita attraverso una negoziazione concettuale e formale tra scultura e pittura, questa serie di opere mette in scena “un legame fatto di peso, di pressione, di gravità e di distruzione del tempo sulle immagini, ma anche di formazione, di profondità, di ritorno e rinascita rispetto al trascorrere del tempo.” Metafore pregnanti della caducità e mutevolezza dell’esistenza, ci ricordano della traiettoria di vita che tracciamo, parallela a un movimento di collasso, lento ma persistente.
Tra le mostre personali: Renata Fabbri, Milano (2015, 2018 e 2023); Contemporary Locus, Bergamo (2023); Postmasters Roma, con Marta Kucsora (2023); Museo Marino Marini, Firenze (2022); EAST Galerie, Strasburgo (2022); Galleria de’ Foscherari, Bologna (2016 e 2021–22); BUILDINGBOX, Milano (2021); BUILDING Gallery, Milano (2020); Ca’Pesaro – Galleria Internazionale d’Arte Moderna, Venezia (2019); The OpenBox, Milano (2018). Le recenti mostre collettive includono: Palazzo Ducale di Gubbio (2022); Fondazione Malvina Menegaz, Castelbasso (2021); Albergo delle Povere, Palermo (promossa da RISO – Museo regionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Palermo) (2021); Palazzo Barbò Torre Pallavicina, Bologna (2021); MAC – Museo d’Arte Contemporanea di Lissone (2021) e Renata Fabbri, Milano (2020), tra le altre. Nel 2016 Sophie Ko ha vinto il Gran Premio della Pittura al MAC di Lissone.
Ištvan Išt Huzjan è nato l’1 giugno 1981 a Ljubljana, Slovenia. Nel 2005 si è laureato all’Accademia di Belle Arti di Venezia e ha registrato la propria casa editrice 21st Century Books nel 2006. Nel 2009 ha partecipato al programma di residenza artistica Rijksakademie van beeldende kunsten ad Amsterdam e a diversi altri, tra cui il National Art Studio in Changdong a Seoul e Apartment of the Ministry of Culture of Slovenia a New York. Nel 2010 è stato cofondatore del collettivo artistico Project Goleb ad Amsterdam. Nel 2011 e nel 2014 è stato nominato per l’OHO award in Slovenia e nel 2013 ha ricevuto il premio Fernand Baudin prijs in Belgio. Nel 2015 ha ricevuto il Grand Prize of the 31. Biennial of Graphic Arts – Over You You at MGLC a Ljubljana.
Tra le sue recenti mostre personali si segnalano: De Metrico a Imperial, Proyectos Monclova, Città del Messico, MX, MERE presso le City galleries and Museums of Ljubljana, Ljubljana, SI e Subterranen Walks alla Eastwards Prospectus Gallery a Bucharest. Le sue recenti mostre collettive includono: NSK State Art – The Impossible Return at CUNY Graduate Center James Gallery a New York e Beyond the Globe” 8th Triennial of Contemporary Art – U3 at MG+MSUM a Ljubljana. Nel 2012 ha partecipato a Simplon Express / The Return, una serie di mostre realizzate su un treno che viaggiava da Zagabria a Parigi, e a Taxi Avant Minuit, la La Galerie Des Locataires, un progetto che comprendeva un happening in un taxi alla FIAC di Parigi. Nello stesso anno ha realizzato una performance artistica viaggiando da Seoul a Ljubljana utilizzando solo il trasporto pubblico. Altri programmi di residenza artistica a cui ha partecipato: The Fondazione Morra Greco Residency, Napoli (2021); The Montoro 12 Residency, Roma (2020); The Stacion residency, Pristina, Kosovo (2015); The Kamov Residency, Rijeka, HR (2013); The Lokaal 01 Residency, Anversa, BE (2012).
Ištvan Išt Huzjan è nato l’1 giugno 1981 a Ljubljana, Slovenia. Nel 2005 si è laureato all’Accademia di Belle Arti di Venezia e ha registrato la propria casa editrice 21st Century Books nel 2006. Nel 2009 ha partecipato al programma di residenza artistica Rijksakademie van beeldende kunsten ad Amsterdam e a diversi altri, tra cui il National Art Studio in Changdong a Seoul e Apartment of the Ministry of Culture of Slovenia a New York. Nel 2010 è stato cofondatore del collettivo artistico Project Goleb ad Amsterdam. Nel 2011 e nel 2014 è stato nominato per l’OHO award in Slovenia e nel 2013 ha ricevuto il premio Fernand Baudin prijs in Belgio. Nel 2015 ha ricevuto il Grand Prize of the 31. Biennial of Graphic Arts – Over You You at MGLC a Ljubljana.
Tra le sue recenti mostre personali si segnalano: De Metrico a Imperial, Proyectos Monclova, Città del Messico, MX, MERE presso le City galleries and Museums of Ljubljana, Ljubljana, SI e Subterranen Walks alla Eastwards Prospectus Gallery a Bucharest. Le sue recenti mostre collettive includono: NSK State Art – The Impossible Return at CUNY Graduate Center James Gallery a New York e Beyond the Globe” 8th Triennial of Contemporary Art – U3 at MG+MSUM a Ljubljana. Nel 2012 ha partecipato a Simplon Express / The Return, una serie di mostre realizzate su un treno che viaggiava da Zagabria a Parigi, e a Taxi Avant Minuit, la La Galerie Des Locataires, un progetto che comprendeva un happening in un taxi alla FIAC di Parigi. Nello stesso anno ha realizzato una performance artistica viaggiando da Seoul a Ljubljana utilizzando solo il trasporto pubblico. Altri programmi di residenza artistica a cui ha partecipato: The Fondazione Morra Greco Residency, Napoli (2021); The Montoro 12 Residency, Roma (2020); The Stacion residency, Pristina, Kosovo (2015); The Kamov Residency, Rijeka, HR (2013); The Lokaal 01 Residency, Anversa, BE (2012).
Dino Zrnec è nato nel 1983 a Zagabria, in Croazia e vive e lavora tra Vienna e Zagabria. Ha studiato Pittura all’Accademia di Belle Arti di Zagabria, all’Accademia di Belle Arti di Vienna e nella VSUP di Praga. Nel 2016 ha preso parte al programma di residenza Krinzinger a Kuberton e ha portato a termine altre residenze tra il 2012 e il 2015, tra cui il programma ukk-artist-in Residence per il Ministero Federale Austriaco per l’Educazione, le Arti e la Cultura di Vienna e Cité Internationale des Arts a Parigi. Nel 2015 ha ricevuto il premio Radoslav Putar a Zagabria. Le recenti mostre personali sono state realizzate presso: Vin Vin Gallery a Vienna, Museo delle Arti Contemporanee a Zagabria, Kunstlerhaus Graz project space. Le recenti mostre collettive includono: Vier Meter hohes Display für Malerei, Ve.sch Kunstverein, Kaletenlutgeben; COCO, NEEMA, GAGA, House of Flora, Dubrovnik; temporary encounters, Apoteka at Galzenica gallery, Velika Gorica; Air, Krinzinger projekte, Vienna.
Dino Zrnec è nato nel 1983 a Zagabria, in Croazia e vive e lavora tra Vienna e Zagabria. Ha studiato Pittura all’Accademia di Belle Arti di Zagabria, all’Accademia di Belle Arti di Vienna e nella VSUP di Praga. Nel 2016 ha preso parte al programma di residenza Krinzinger a Kuberton e ha portato a termine altre residenze tra il 2012 e il 2015, tra cui il programma ukk-artist-in Residence per il Ministero Federale Austriaco per l’Educazione, le Arti e la Cultura di Vienna e Cité Internationale des Arts a Parigi. Nel 2015 ha ricevuto il premio Radoslav Putar a Zagabria. Le recenti mostre personali sono state realizzate presso: Vin Vin Gallery a Vienna, Museo delle Arti Contemporanee a Zagabria, Kunstlerhaus Graz project space. Le recenti mostre collettive includono: Vier Meter hohes Display für Malerei, Ve.sch Kunstverein, Kaletenlutgeben; COCO, NEEMA, GAGA, House of Flora, Dubrovnik; temporary encounters, Apoteka at Galzenica gallery, Velika Gorica; Air, Krinzinger projekte, Vienna.
- Sophie Ko
- Vlatka Horvat,
- Tim Etchells
- Vlatka Horvat,
- Tim Etchells,
- Sophie Ko
Oval, Lingotto Torino
2–5 novembre 2023
Main Section
Hall Orange, Stand 12
- Vlatka Horvat
Padiglione Croazia
60º Esposizione Internazionale d’Arte
La Biennale di Venezia
20 aprile – 24 novembre 2024
A cura di Antonia Majaca
- Vlatka Horvat
PEER Gallery, Londra, UK
4 febbraio – 2 aprile 2022
- Sophie Ko
Museo Marino Marini, Firenze
24 Settembre – 24 Ottobre, 2022
A cura di Marcella Cangioli e Antonella Nicola
