Entr~Acte
Renata Fabbri è lieta di presentare Entr~Acte, una mostra collettiva, pensata come progetto speciale in aggiunta alla programmazione ufficiale della galleria, che seleziona e raggruppa una serie di approcci pittorici e scultorei di giovani figure dell’arte contemporanea italiana. Il titolo, che tradotto in lingua italiana significa letteralmente “intermezzo”, è un omaggio al cortometraggio Entr’acte (1924) del regista francese René Clair – fra le opere cinematografiche più significative delle avanguardie degli anni Venti e manifesto per antonomasia del cinema dadaista.
Originariamente ideato per essere proiettato come intervallo fra i due tempi del balletto svedese Relâche di Francis Picabia – musicato da Erik Satie e messo in scena per il Théâtre des Champs Élysées di Parigi dalla compagnia dei Ballets Suédois di Jean Börlin – Entr’acte si struttura come un assurdo e stravagante balletto di personaggi e situazioni grottesche, in cui il rutilare di immagini, assieme al montaggio ludico e sperimentale, vogliono stimolare e indurre la libera associazione di idee e sensazioni estetiche. Di fronte alla visione di otto scene senza alcuna continuità logica, lo spettatore si trova così proiettato in un sogno ad occhi aperti, in un vero e proprio non-sense concettuale in cui l’irrazionalismo delle situazioni rappresentate e il comportamento degli stessi personaggi – pervaso da una sorta di acre e dissacrante umorismo – ripropongono lo spirito delle serate Dada, all’insegna dell’improvvisazione e del caso.
A partire da tale caposaldo della cinematografia d’avanguardia, la mostra collettiva Entr~Acte accoglie e instaura un dialogo fra undici pratiche artistiche, le quali – poiché non legate tra loro da particolari intenzioni narrative o formali – ripropongono e sostengono una vitalità espressiva che permette ad ognuna di queste di associarsi, dissociarsi, comporsi, scomporsi e ricomporsi in piena libertà. Le possibilità di dialogo che si innescano all’interno di uno scenario così ampio e sfaccettato, ricco di esperienze e visioni soggettive, evidenzia infatti quanto sia variabile la percezione di uno stesso concetto o di uno stesso momento esperito. Così come nelle sequenze irrazionali del cortometraggio, i singoli si fanno portavoce di una propria identità e di un proprio inventario di pensieri in grado di inscriversi e stravolgere le logiche del quotidiano, mettendo in discussione la stessa percezione della realtà e mostrando nuovi punti di vista.
Allestita, negli spazi espositivi della galleria Renata Fabbri, è dunque una coreografia, inconscia e stravolta, in cui ciascun lavoro trasporta lo spettatore in una dimensione di volta in volta differente, invitandolo a nutrirsi di nuove immagini e nuove storie. La coralità delle opere in mostra – per la maggior parte inedite e pensate in dialogo con il luogo nel quale si inseriscono – conferma il desiderio della galleria di sostenere i molteplici linguaggi dell’arte contemporanea, aprendosi al confronto con giovani artisti e ponendosi come luogo di sperimentazione e osservazione delle esigenze contemporanee.
Renata Fabbri è lieta di presentare Entr~Acte, una mostra collettiva, pensata come progetto speciale in aggiunta alla programmazione ufficiale della galleria, che seleziona e raggruppa una serie di approcci pittorici e scultorei di giovani figure dell’arte contemporanea italiana. Il titolo, che tradotto in lingua italiana significa letteralmente “intermezzo”, è un omaggio al cortometraggio Entr’acte (1924) del regista francese René Clair – fra le opere cinematografiche più significative delle avanguardie degli anni Venti e manifesto per antonomasia del cinema dadaista.
Originariamente ideato per essere proiettato come intervallo fra i due tempi del balletto svedese Relâche di Francis Picabia – musicato da Erik Satie e messo in scena per il Théâtre des Champs Élysées di Parigi dalla compagnia dei Ballets Suédois di Jean Börlin – Entr’acte si struttura come un assurdo e stravagante balletto di personaggi e situazioni grottesche, in cui il rutilare di immagini, assieme al montaggio ludico e sperimentale, vogliono stimolare e indurre la libera associazione di idee e sensazioni estetiche. Di fronte alla visione di otto scene senza alcuna continuità logica, lo spettatore si trova così proiettato in un sogno ad occhi aperti, in un vero e proprio non-sense concettuale in cui l’irrazionalismo delle situazioni rappresentate e il comportamento degli stessi personaggi – pervaso da una sorta di acre e dissacrante umorismo – ripropongono lo spirito delle serate Dada, all’insegna dell’improvvisazione e del caso.
A partire da tale caposaldo della cinematografia d’avanguardia, la mostra collettiva Entr~Acte accoglie e instaura un dialogo fra undici pratiche artistiche, le quali – poiché non legate tra loro da particolari intenzioni narrative o formali – ripropongono e sostengono una vitalità espressiva che permette ad ognuna di queste di associarsi, dissociarsi, comporsi, scomporsi e ricomporsi in piena libertà. Le possibilità di dialogo che si innescano all’interno di uno scenario così ampio e sfaccettato, ricco di esperienze e visioni soggettive, evidenzia infatti quanto sia variabile la percezione di uno stesso concetto o di uno stesso momento esperito. Così come nelle sequenze irrazionali del cortometraggio, i singoli si fanno portavoce di una propria identità e di un proprio inventario di pensieri in grado di inscriversi e stravolgere le logiche del quotidiano, mettendo in discussione la stessa percezione della realtà e mostrando nuovi punti di vista.
Allestita, negli spazi espositivi della galleria Renata Fabbri, è dunque una coreografia, inconscia e stravolta, in cui ciascun lavoro trasporta lo spettatore in una dimensione di volta in volta differente, invitandolo a nutrirsi di nuove immagini e nuove storie. La coralità delle opere in mostra – per la maggior parte inedite e pensate in dialogo con il luogo nel quale si inseriscono – conferma il desiderio della galleria di sostenere i molteplici linguaggi dell’arte contemporanea, aprendosi al confronto con giovani artisti e ponendosi come luogo di sperimentazione e osservazione delle esigenze contemporanee.
Adelisa Selimbašić, Le Bagnanti, 2021Olio su tela, 273x304 cm.
Ambra Castagnetti, BALALAIKA, 2021Ceramica, smalto metallizzato, 20x20x100 cm.
Il mondo è sempre lo stesso, 2020Acrilico su tela, 35x20 cm.
Andrea Martinucci, Turbomondi (tentativo di presa), 2020Acilico, grafite e polvere su tela da proiezione, 42,5x30,5 cm.
Francesco Maluta, Non chi comincia ma quel che persevera, 2021Olio su tela, 200x180 cm.
Jimmy Milani, For us to be one, 2021Dittico, acrilico su tela, 23x30 cm (ognuno).
Francesco Pacelli, I wonder who you were when you weren’t there, 2019Resina epossidica, resina poliuretana, cellulosa, resina, ceramica, acrilici, spray, luci LED flessibili, 88x65x53 cm.
Ottavia Plazza, Ferguson nel quadro, 2021Olio su tela, 180x130 cm.
Ottavia Plazza, Origame, 2020Olio e pastello su carta, 40x50 cm.
Secondo tentativo di immersione o la piscina, 2021Legno laccato, mdf, 40x100x115 cm (dettaglio).
Secondo tentativo di immersione o la piscina, 2021Legno laccato, mdf, 40x100x115 cm (dettaglio).
Andrea Martinucci, Turbomondi (balletto su Sonata n. 6 Vivace), 2020Acrilico, grafite e polvere su tela da proiezione, 161,5x83,5 cm.
Ludovica Anversa, Kiki’s kiss (I) e (II), 2021Olio su lino, 30x35 cm.
Ennesima occasione sprecata, 2021Acrilico su tela, 35x20 cm.
Ludovico Orombelli, Piumino, 2021Tempera staccata su tela di lino pattina, 150x200 cm.
Adelisa Selimbašić, (Karlsruhe, 1996) vive e lavora a Milano. É un’artista italo-bosniaca, laureata all’Accademia di Belle Arti di Venezia. Selimbašić usa il mezzo pittorico per esplorare e raccontare le pratiche del relativismo culturale attraverso le attitudini del corpo. Nei suoi lavori vi sono rappresentazioni femminili indefinite in contesti ordinari, ma al contempo onirici. Adelisa ricerca nella pittura una presenza fisica, che diventa quasi tattile attraverso l’utilizzo attento e studiato di cromatismi appartenenti alla realtà che, sulla tela, vengono estremizzati arrivando ad una plasticità che sposta la percezione del corpo femminile da una visione convenzionale. Le decisioni compositive e rappresentative che elabora sono un supporto che l’aiuta a spostare l’intuizione del soggetto pittorico dall’identificazione ad un aspetto più vivo e dinamico: quello caratteriale.
Mostre personali: Sara Lo Russo, Spazio Adiacenze, Bologna (2022); IPER- CUBO gallery, STATE OF, Milano (2021); Antares Vulcano Agency, Mestre (2020).
Mostre collettive: ArchiViVitali, Bellano (2022); Break-in. Temporal displacement, The Address gallery, Brescia (2022); Renata Fabbri, Milano (2021).
Ha partecipato ai programmi di residenza artistica di ViaFarini (Milano, 2021) e Fuori dal Vaso presso la Vulcano Agency (Mestre, 2019).
Adelisa Selimbašić, (Karlsruhe, 1996) vive e lavora a Milano. É un’artista italo-bosniaca, laureata all’Accademia di Belle Arti di Venezia. Selimbašić usa il mezzo pittorico per esplorare e raccontare le pratiche del relativismo culturale attraverso le attitudini del corpo. Nei suoi lavori vi sono rappresentazioni femminili indefinite in contesti ordinari, ma al contempo onirici. Adelisa ricerca nella pittura una presenza fisica, che diventa quasi tattile attraverso l’utilizzo attento e studiato di cromatismi appartenenti alla realtà che, sulla tela, vengono estremizzati arrivando ad una plasticità che sposta la percezione del corpo femminile da una visione convenzionale. Le decisioni compositive e rappresentative che elabora sono un supporto che l’aiuta a spostare l’intuizione del soggetto pittorico dall’identificazione ad un aspetto più vivo e dinamico: quello caratteriale.
Mostre personali: Sara Lo Russo, Spazio Adiacenze, Bologna (2022); IPER- CUBO gallery, STATE OF, Milano (2021); Antares Vulcano Agency, Mestre (2020).
Mostre collettive: ArchiViVitali, Bellano (2022); Break-in. Temporal displacement, The Address gallery, Brescia (2022); Renata Fabbri, Milano (2021).
Ha partecipato ai programmi di residenza artistica di ViaFarini (Milano, 2021) e Fuori dal Vaso presso la Vulcano Agency (Mestre, 2019).
Andrea Martinucci (Roma, 1991) vive e lavora fra Milano e Roma. Il suo fare artistico si nutre di assemblaggi e intricate sovrapposizioni pittoriche capaci di generare ambientazioni rarefatte e surreali. Attraverso processi di lacerazione, frammentazione e ricomposizione dell’immagine, l’artista crea narrazioni metaforiche non lineari che utilizzano l’umorismo, l’assurdità e la poesia per esplorare temi come l’amnesia, il trauma e la sublimazione. Nel tentativo di ipotizzare forme e dimensioni “altre” di esistenza, Martinucci interroga l’ordinarietà della realtà circostante accogliendo attraverso il medium pittorico tutto ciò che è fortuito ed ignoto. Guanti in lattice, sedie, scarpe, elementi vegetali – detriti di una società che accelera inesorabilmente verso il proprio collasso – sono i soggetti ricorrenti nei suoi lavori. Attingendo da inconsce reminiscenze che emergono sotto forma di libere associazioni, Martinucci invita lo spettatore ad esplorare mondi indefiniti e sospesi, nuovi spazi entro cui maturare una maggiore consapevolezza del proprio io interiore.
Le sue opere sono state esposte in mostre personali e collettive presso: IIC Los Angeles (2022); IUNO, Roma (2022); Renata Fabbri, Milano (2022, 2021 e 2019); VUNU Gallery, Kosice (2020); ZETA Contemporary Art Center, Tirana (2021); Tang Contemporary Art, Hong Kong (2020); In De Ruimte, Gent (2019); Palazzo Reale, Milano (2019); FuturDome, Milano (2017); Museo Archeologico e d’Arte della Maremma, Grosseto (2017); Institut Français – Palazzo delle Stelline, Milano (2016); Mattatoio, Roma (2016); Palazzo delle Esposizioni, Roma (2012); Museo d’Arte Contemporanea Villa Croce, Genova (2012) e Fondazione Pastificio Cerere, Roma (2012). Nel 2020 Martinucci è tra i vincitori di Cantica21. Italian Contemporary Art Everywhere (MAECI-DGSP/MiC-DGCC), con l’opera Turbomondi (Melodia), una video installazione destinata alla collezione pubblica dell’Istituto Centrale per la Grafica, Roma. Ha preso parte a diversi progetti tra cui: Tonight we are young – New Italian Art, Triennale, Milano (2022); Fenomeno Pasquarosa, La Fondazione – Fondazione Nicola Del Roscio, Roma (2020); MANIFesta – Iniziative di II, MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma (2021); Rereading the Archive, Fondazione ICA Milano (2022) e SPRINT, Spazio O’, Milano (2017).
Andrea Martinucci (Roma, 1991) vive e lavora fra Milano e Roma. Il suo fare artistico si nutre di assemblaggi e intricate sovrapposizioni pittoriche capaci di generare ambientazioni rarefatte e surreali. Attraverso processi di lacerazione, frammentazione e ricomposizione dell’immagine, l’artista crea narrazioni metaforiche non lineari che utilizzano l’umorismo, l’assurdità e la poesia per esplorare temi come l’amnesia, il trauma e la sublimazione. Nel tentativo di ipotizzare forme e dimensioni “altre” di esistenza, Martinucci interroga l’ordinarietà della realtà circostante accogliendo attraverso il medium pittorico tutto ciò che è fortuito ed ignoto. Guanti in lattice, sedie, scarpe, elementi vegetali – detriti di una società che accelera inesorabilmente verso il proprio collasso – sono i soggetti ricorrenti nei suoi lavori. Attingendo da inconsce reminiscenze che emergono sotto forma di libere associazioni, Martinucci invita lo spettatore ad esplorare mondi indefiniti e sospesi, nuovi spazi entro cui maturare una maggiore consapevolezza del proprio io interiore.
Le sue opere sono state esposte in mostre personali e collettive presso: IIC Los Angeles (2022); IUNO, Roma (2022); Renata Fabbri, Milano (2022, 2021 e 2019); VUNU Gallery, Kosice (2020); ZETA Contemporary Art Center, Tirana (2021); Tang Contemporary Art, Hong Kong (2020); In De Ruimte, Gent (2019); Palazzo Reale, Milano (2019); FuturDome, Milano (2017); Museo Archeologico e d’Arte della Maremma, Grosseto (2017); Institut Français – Palazzo delle Stelline, Milano (2016); Mattatoio, Roma (2016); Palazzo delle Esposizioni, Roma (2012); Museo d’Arte Contemporanea Villa Croce, Genova (2012) e Fondazione Pastificio Cerere, Roma (2012). Nel 2020 Martinucci è tra i vincitori di Cantica21. Italian Contemporary Art Everywhere (MAECI-DGSP/MiC-DGCC), con l’opera Turbomondi (Melodia), una video installazione destinata alla collezione pubblica dell’Istituto Centrale per la Grafica, Roma. Ha preso parte a diversi progetti tra cui: Tonight we are young – New Italian Art, Triennale, Milano (2022); Fenomeno Pasquarosa, La Fondazione – Fondazione Nicola Del Roscio, Roma (2020); MANIFesta – Iniziative di II, MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma (2021); Rereading the Archive, Fondazione ICA Milano (2022) e SPRINT, Spazio O’, Milano (2017).
Ludovica Anversa (1996) vive e lavora a Milano. La sua pittura esplora un territorio liminale tra figurazione e astrazione, fondendo immaginari personali a riferimenti teorici e visivi ibridi, senza mai riferirsi a una narrazione lineare. Vulnerabilità e rapporto tra percezione e rappresentazione del corpo sono tematiche ricorrenti nel suo lavoro. Il suo processo è fortemente radicato nell’idea di decostruzione e stratificazione, generando un continuo scambio tra presenza e assenza, potenziale evocativo e negazione dell’immagine. Le figure che abitano i suoi dipinti sono presenze ambigue e metamorfiche che si contaminano a vicenda senza annichilirsi, rivelando una complessità sotterranea. Nel suo lavoro il corpo sfugge all’idea rassicurante di una definizione immediata e sembra immergersi e riemergere dalla superficie. La sua apparente dissolvenza porta ad una manifestazione indiretta, radiografica e spettrale, in bilico tra sensuale e disturbante.
Ha studiato alla NABA (Nuova Accademia di Belle Arti) di Milano. Nel 2020 ha preso parte al programma di residenza di Palazzo Monti (Brescia) e Manifattura Tabacchi (Firenze). Ha esposto il suo lavoro in gallerie e fondazioni, tra le quali: The Address Gallery (Brescia, 2023); New Galerie (Parigi, 2022), Galleria Massimo Minini (Brescia, 2022); East Contemporary (Entreveaux, 2021); ArtNoble (Milano, 2021); Palazzo Monti (Brescia, 2021); Manifattura Tabacchi (Firenze, 2021); Mana Contemporary (Jersey City, 2020); Galleria Giorgio Galotti (Milano, 2020); Fondazione Pini (Milano, 2018). Nel 2021 è stata la vincitrice del Premio Francesco Fabbri (Pieve di Soligo).
Ludovica Anversa (1996) vive e lavora a Milano. La sua pittura esplora un territorio liminale tra figurazione e astrazione, fondendo immaginari personali a riferimenti teorici e visivi ibridi, senza mai riferirsi a una narrazione lineare. Vulnerabilità e rapporto tra percezione e rappresentazione del corpo sono tematiche ricorrenti nel suo lavoro. Il suo processo è fortemente radicato nell’idea di decostruzione e stratificazione, generando un continuo scambio tra presenza e assenza, potenziale evocativo e negazione dell’immagine. Le figure che abitano i suoi dipinti sono presenze ambigue e metamorfiche che si contaminano a vicenda senza annichilirsi, rivelando una complessità sotterranea. Nel suo lavoro il corpo sfugge all’idea rassicurante di una definizione immediata e sembra immergersi e riemergere dalla superficie. La sua apparente dissolvenza porta ad una manifestazione indiretta, radiografica e spettrale, in bilico tra sensuale e disturbante.
Ha studiato alla NABA (Nuova Accademia di Belle Arti) di Milano. Nel 2020 ha preso parte al programma di residenza di Palazzo Monti (Brescia) e Manifattura Tabacchi (Firenze). Ha esposto il suo lavoro in gallerie e fondazioni, tra le quali: The Address Gallery (Brescia, 2023); New Galerie (Parigi, 2022), Galleria Massimo Minini (Brescia, 2022); East Contemporary (Entreveaux, 2021); ArtNoble (Milano, 2021); Palazzo Monti (Brescia, 2021); Manifattura Tabacchi (Firenze, 2021); Mana Contemporary (Jersey City, 2020); Galleria Giorgio Galotti (Milano, 2020); Fondazione Pini (Milano, 2018). Nel 2021 è stata la vincitrice del Premio Francesco Fabbri (Pieve di Soligo).
Ottavia Plazza (Alessandria, 1992) ha studiato Pittura presso l’Accademia Albertina di belle arti di Torino dove vive e lavora. Nel 2015, sempre a Torino ha fondato Spaziobuonasera projects-space insieme ad un gruppo di artisti, esperienza che le permette di organizzare mostre collettive e personali con lo sguardo rivolto a nuove personalità internazionali, il progetto si è concluso nel 2019.
L’opera di Plazza si concentra sullo studio del colore e sul ridisegnare lo spazio tramite la pittura. Spesso si ispira alle stanze della sua casa natale, modificandone le linee, creando luoghi dalle prospettive impossibili. Con queste opere l’artista cerca di ricreare un ambiente a lei familiare, includendo anche elementi esterni alla pittura. Il suo obiettivo è di immergersi e di far immergere gli spettatori tramite tele di grande formato o l’allestimento di spazi fittizi, nello spazio della pittura. Luogo di mezzo tra la realtà e la finzione, la creazione di un immaginario tramite oggetti noti posti in ambienti conturbanti.
Tra le mostre personali, si segnalano: Che il mondo intero sia di polvere rossa, presso Spaziobuonasera a cura di Spaziobuonasera e Lisa Andreani (Torino, 2019), Interno viola, presso Bitcorp for art (Milano, 2019), a cura di Greta Scarpa. Nello stesso anno l’artista partecipa a diverse mostre bi-personali e collettive come: Una stanza tutta per sé, Edicola Radetzky (Milano, 2019), a cura di Lisa Andreani; Sabaudade, Las Palmas (Lisbon, 2019) a cura di Spaziobuonasera e Las Palmas project; Hic sunt Leones, Cicaleto House Concert (Arezzo, 2019), a cura di Carla Chiarchiaro; Pelle d’oca, Villa Vertua Musolo (Milano, IT), a cura di Lisa Andreani e Simona Squadrito; Projectroom FSRR, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo con Fondazione IEO-CCM.
Nel 2021 partecipa alle seguenti mostre collettive: ENTR~ACTE, Renata Fabbri (Milano,IT), a cura di Chiara Alice Guidi e Sei pittori, Casa Museo Felice Casorati Pavarolo (Torino, IT), a cura di Société Interludio. Nel 2018 ha partecipato al workshop Q-Rated presso Quadriennale di Roma e nel 2019 è risualtata finalista del progetto grafico per Vinitaly, Artissima e Regione Piemonte, Verona.
Ottavia Plazza (Alessandria, 1992) ha studiato Pittura presso l’Accademia Albertina di belle arti di Torino dove vive e lavora. Nel 2015, sempre a Torino ha fondato Spaziobuonasera projects-space insieme ad un gruppo di artisti, esperienza che le permette di organizzare mostre collettive e personali con lo sguardo rivolto a nuove personalità internazionali, il progetto si è concluso nel 2019.
L’opera di Plazza si concentra sullo studio del colore e sul ridisegnare lo spazio tramite la pittura. Spesso si ispira alle stanze della sua casa natale, modificandone le linee, creando luoghi dalle prospettive impossibili. Con queste opere l’artista cerca di ricreare un ambiente a lei familiare, includendo anche elementi esterni alla pittura. Il suo obiettivo è di immergersi e di far immergere gli spettatori tramite tele di grande formato o l’allestimento di spazi fittizi, nello spazio della pittura. Luogo di mezzo tra la realtà e la finzione, la creazione di un immaginario tramite oggetti noti posti in ambienti conturbanti.
Tra le mostre personali, si segnalano: Che il mondo intero sia di polvere rossa, presso Spaziobuonasera a cura di Spaziobuonasera e Lisa Andreani (Torino, 2019), Interno viola, presso Bitcorp for art (Milano, 2019), a cura di Greta Scarpa. Nello stesso anno l’artista partecipa a diverse mostre bi-personali e collettive come: Una stanza tutta per sé, Edicola Radetzky (Milano, 2019), a cura di Lisa Andreani; Sabaudade, Las Palmas (Lisbon, 2019) a cura di Spaziobuonasera e Las Palmas project; Hic sunt Leones, Cicaleto House Concert (Arezzo, 2019), a cura di Carla Chiarchiaro; Pelle d’oca, Villa Vertua Musolo (Milano, IT), a cura di Lisa Andreani e Simona Squadrito; Projectroom FSRR, Fondazione Sandretto Re Rebaudengo con Fondazione IEO-CCM.
Nel 2021 partecipa alle seguenti mostre collettive: ENTR~ACTE, Renata Fabbri (Milano,IT), a cura di Chiara Alice Guidi e Sei pittori, Casa Museo Felice Casorati Pavarolo (Torino, IT), a cura di Société Interludio. Nel 2018 ha partecipato al workshop Q-Rated presso Quadriennale di Roma e nel 2019 è risualtata finalista del progetto grafico per Vinitaly, Artissima e Regione Piemonte, Verona.
Ambra Castagnetti (Genova, 1993) vive e lavora a Milano. Si è laureata all’Università di Antropologia di Bologna nel 2016 e alla NABA di Milano con Adrian Paci. I suoi lavori ritraggono un mondo non antropocentrico abitato da presenze di diversa natura in cui tutti gli elementi compenetrano in un sistema interdipendente. Questo ecosistema non presuppone una pacifica utopia, avendo origine dal caos della natura e del desiderio umano, ma implica diverse relazioni di causa-effetto.
Tra le sue mostre più recenti ricordiamo: La Biennale di Venezia (2022); Francesca Minini (2022); Palazzo Monti (Brescia, 2021); Manifattura Tabacchi (Firenze, 2021); Galleria Rolando Anselmi (Roma, 2020); Assicurazioni Generali (Brescia, 2020); Villa Necchi (Milano, 2020); Mana Contemporary (New York, 2020). Ha preso parte ai programmi di residenza di Manifattura Tabacchi (Firenze, 2020), Palazzo Monti (Brescia, 2020) e Appocundria con Casa Testori (Milano, 2019).
Ambra Castagnetti (Genova, 1993) vive e lavora a Milano. Si è laureata all’Università di Antropologia di Bologna nel 2016 e alla NABA di Milano con Adrian Paci. I suoi lavori ritraggono un mondo non antropocentrico abitato da presenze di diversa natura in cui tutti gli elementi compenetrano in un sistema interdipendente. Questo ecosistema non presuppone una pacifica utopia, avendo origine dal caos della natura e del desiderio umano, ma implica diverse relazioni di causa-effetto.
Tra le sue mostre più recenti ricordiamo: La Biennale di Venezia (2022); Francesca Minini (2022); Palazzo Monti (Brescia, 2021); Manifattura Tabacchi (Firenze, 2021); Galleria Rolando Anselmi (Roma, 2020); Assicurazioni Generali (Brescia, 2020); Villa Necchi (Milano, 2020); Mana Contemporary (New York, 2020). Ha preso parte ai programmi di residenza di Manifattura Tabacchi (Firenze, 2020), Palazzo Monti (Brescia, 2020) e Appocundria con Casa Testori (Milano, 2019).
Ludovico Orombelli (Como, 1996) vive e lavora a Milano. I suoi dipinti nascono da un processo creativo che non si limita a materiali appartenenti al linguaggio pittorico tradizionale, ma che include anche oggetti d’uso e tecniche limitrofe all’arte. In questo modo Orombelli ha costruito un corpus di opere che indaga l’immagine come presenza oggettuale, in grado di estendere lo spazio fisico e culturale da cui origina. Orombelli ha conseguito una laurea in Belle Arti presso l’Arts University Bournemouth, mentre espone a Old Truman Brewery, Londra, Regno Unito.
Tra le sue mostre e residenze d’artista recenti ricordiamo: IN PRATICA, The Blank Contemporary Art, Bergamo, e Via Industriae, Foligno (2019); VIR Viafarini in residence, Milano (2020); Atlas, mappe e visioni dal Mediteraneo, Going Public, Milano (2021). Tra le mostre collettive: Gallerie delle Prigioni, Treviso (2021); Superstudiolo, Bergamo (2021); Tagli, ArtNoble Gallery, Milano (2022); The Address Gallery, Brescia (2022). Ha partecipato a talk come Fuoco Incrociato #1 Stefano Arienti- Ludovico Orombelli a cura di Giulio Verago, Viafarini, Milano e Painting Now, la pittura emergente in Italia a cura di Carlo Sala, Fondazione Imago Mundi, Treviso.
Ludovico Orombelli (Como, 1996) vive e lavora a Milano. I suoi dipinti nascono da un processo creativo che non si limita a materiali appartenenti al linguaggio pittorico tradizionale, ma che include anche oggetti d’uso e tecniche limitrofe all’arte. In questo modo Orombelli ha costruito un corpus di opere che indaga l’immagine come presenza oggettuale, in grado di estendere lo spazio fisico e culturale da cui origina. Orombelli ha conseguito una laurea in Belle Arti presso l’Arts University Bournemouth, mentre espone a Old Truman Brewery, Londra, Regno Unito.
Tra le sue mostre e residenze d’artista recenti ricordiamo: IN PRATICA, The Blank Contemporary Art, Bergamo, e Via Industriae, Foligno (2019); VIR Viafarini in residence, Milano (2020); Atlas, mappe e visioni dal Mediteraneo, Going Public, Milano (2021). Tra le mostre collettive: Gallerie delle Prigioni, Treviso (2021); Superstudiolo, Bergamo (2021); Tagli, ArtNoble Gallery, Milano (2022); The Address Gallery, Brescia (2022). Ha partecipato a talk come Fuoco Incrociato #1 Stefano Arienti- Ludovico Orombelli a cura di Giulio Verago, Viafarini, Milano e Painting Now, la pittura emergente in Italia a cura di Carlo Sala, Fondazione Imago Mundi, Treviso.
Francesco Maluta (Lovere, 1983) vive e lavora a Milano.
Dopo la laurea presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia, ha esposto il suo lavoro in mostre personali presso Casa Capra, Schio (2019); Fonderia Artistica Battaglia, Milano (2018); TRA Treviso Ricerca Arte (2018); Orto Botanico, Siena (2018).
Tra le mostre collettive si segnalano quelle tenute presso: Museo d’Arte Moderna Ugo Carà, Muggia (2019); Museo Santa Maria della Scala, Siena (2018); Collezione Zoologia, Comerio (2017); Dimora Artica, Milano (2016); Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia (2015). Ha partecipato a residenze artistiche tra cui NAHR, Val Taleggio (2021); Grand Tour en Italie, San Gimignano (2019); Viafarini, Milano (2017); Madeinfinlandia, Pergine Valdarno (2015); Penthouse Art Space Residency, Bruxelles (2015).
Nel 2020 è stato finalista del Premio “Be the difference with art”, Museo Civico, Bassano del Grappa; nel 2019 ha vinto il “Premio YICCA International Contest of Contemporary Art”, Galleria Rizzuto, Palermo; nel 2018 è stato finalista del “Premio Combat”, Museo Civico Giovanni Fattori, Livorno; nel 2017 ha vinto il “Premio TRA Treviso Ricerca Arte”, Ca’ dei Ricchi, Treviso, ed è stato finalista del “Premio Fondazione Francesco Fabbri”, Villa Brandolini, Pieve di Soligo.
Francesco Maluta (Lovere, 1983) vive e lavora a Milano.
Dopo la laurea presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia, ha esposto il suo lavoro in mostre personali presso Casa Capra, Schio (2019); Fonderia Artistica Battaglia, Milano (2018); TRA Treviso Ricerca Arte (2018); Orto Botanico, Siena (2018).
Tra le mostre collettive si segnalano quelle tenute presso: Museo d’Arte Moderna Ugo Carà, Muggia (2019); Museo Santa Maria della Scala, Siena (2018); Collezione Zoologia, Comerio (2017); Dimora Artica, Milano (2016); Fondazione Bevilacqua La Masa, Venezia (2015). Ha partecipato a residenze artistiche tra cui NAHR, Val Taleggio (2021); Grand Tour en Italie, San Gimignano (2019); Viafarini, Milano (2017); Madeinfinlandia, Pergine Valdarno (2015); Penthouse Art Space Residency, Bruxelles (2015).
Nel 2020 è stato finalista del Premio “Be the difference with art”, Museo Civico, Bassano del Grappa; nel 2019 ha vinto il “Premio YICCA International Contest of Contemporary Art”, Galleria Rizzuto, Palermo; nel 2018 è stato finalista del “Premio Combat”, Museo Civico Giovanni Fattori, Livorno; nel 2017 ha vinto il “Premio TRA Treviso Ricerca Arte”, Ca’ dei Ricchi, Treviso, ed è stato finalista del “Premio Fondazione Francesco Fabbri”, Villa Brandolini, Pieve di Soligo.
- Andrea Martinucci
- Bea Bonafini,
- Andrea Martinucci,
- Serena Vestrucci
14 – 16 Ottobre, 2022
Main Section
Pad. 12 – Booth H7
- T-Yong Chung,
- Andrea Martinucci,
- Florian Roithmayr
11-13 Ottobre, 2019
Pad. 12 – Booth SC7
- Rebecca Ackroyd,
- Sophie Ko,
- Andrea Martinucci
13-15 Ottobre, 2018
Pad. 12 – Booth SC7
- Serena Vestrucci
L’opera Abbronzatissimi (2023) è entrata ufficialmente nella collezione permanente del Museo Santa Maria della Scala a Siena.
