Searching for myself through remote skins
Renata Fabbri è lieta di presentare Searching for myself through remote skins, un progetto curato da Bianca Baroni che riunisce il lavoro di nove artiste internazionali quali Rebecca Ackroyd, Gabriele Beveridge, Bea Bonafini, Irene Fenara, Beatrice Gibson, Lydia Gifford, Goldschmied & Chiari e Catherine Parsonage.
Ispirato dal celebre testo di Luce Irigaray Elogio del toccare, il titolo della mostra indica l’esperienza fisica dell’altro come premessa fondamentale nell’articolazione del sé. In alcuni dei passaggi più salienti che scandiscono questo breve trattato di Irigaray, l’autrice suggerisce infatti che il tatto non sottenda semplicemente l’incontro intimo con il prossimo, ma sia innanzitutto strumentale alla definizione della propria identità. Il processo di individuazione della propria natura attraverso un’esperienza propriamente tattile viene qui immaginato come un vero e proprio un percorso, un viaggio attraverso il paesaggio del corpo e il suo habitat sociale, due territori al contempo esotici e familiari. Partendo da alcune delle proposizioni chiave che scandiscono il contributo teorico di Irigaray, la presente mostra propone un dialogo tra pratiche artistiche che, incarnando linguaggi e ricerche differenti, manifestano una sensibilità condivisa rispetto al concetto di intimità.
Le opere in mostra sottendono approcci e prospettive diverse rispetto a tale concetto, mettendo in evidenza le reciprocità e contraddizioni che lo caratterizzano, sia all’interno della sfera personale e creativa di ciascuna autrice, che nel più ampio contesto culturale in cui ciascuna di esse opera. All’interno del progetto, l’esplorazione di tale dimensione tattile si manifesta nei gesti che definiscono il processo artistico. Al contempo si riflette nella scelta di materiali e oggetti concepiti in relazione al corpo e alle ritualità domestiche che lo coinvolgono. Tuttavia, la mostra si sviluppa anche lungo traiettorie diametralmente opposte, tali da ribaltare la presunta correlazione tra il tocco e l’articolarsi di un rapporto intimo. In alcune delle opere in mostra l’esperienza tattile viene infatti completamente astratta rispetto alla dimensione corporea per divenire pura suggestione. In certi casi la rappresentazione del corpo ricalca la simulazione di una fisicità – o meglio – la sensazione tattile di una superficie corporea. In altri casi tale rappresentazione si focalizza su un particolare aspetto del corpo che, alienato dalla totalità del proprio apparato, diviene fulcro di una composizione a sé stante.
Muovendosi così su diversi livelli concettuali e visivi, la mostra decostruisce ed immagina l’idea di intimità attraverso una negoziazione fluida tra la realtà del corpo e la sua erotizzazione, tra immaginari artistici e popolari, tra dimensione pubblica e privata, tra narrative storiche e fantascientifiche, tra la definizione del se’ e la sua dissoluzione attraverso lo spazio digitale.
Renata Fabbri è lieta di presentare Searching for myself through remote skins, un progetto curato da Bianca Baroni che riunisce il lavoro di nove artiste internazionali quali Rebecca Ackroyd, Gabriele Beveridge, Bea Bonafini, Irene Fenara, Beatrice Gibson, Lydia Gifford, Goldschmied & Chiari e Catherine Parsonage.
Ispirato dal celebre testo di Luce Irigaray Elogio del toccare, il titolo della mostra indica l’esperienza fisica dell’altro come premessa fondamentale nell’articolazione del sé. In alcuni dei passaggi più salienti che scandiscono questo breve trattato di Irigaray, l’autrice suggerisce infatti che il tatto non sottenda semplicemente l’incontro intimo con il prossimo, ma sia innanzitutto strumentale alla definizione della propria identità. Il processo di individuazione della propria natura attraverso un’esperienza propriamente tattile viene qui immaginato come un vero e proprio un percorso, un viaggio attraverso il paesaggio del corpo e il suo habitat sociale, due territori al contempo esotici e familiari. Partendo da alcune delle proposizioni chiave che scandiscono il contributo teorico di Irigaray, la presente mostra propone un dialogo tra pratiche artistiche che, incarnando linguaggi e ricerche differenti, manifestano una sensibilità condivisa rispetto al concetto di intimità.
Le opere in mostra sottendono approcci e prospettive diverse rispetto a tale concetto, mettendo in evidenza le reciprocità e contraddizioni che lo caratterizzano, sia all’interno della sfera personale e creativa di ciascuna autrice, che nel più ampio contesto culturale in cui ciascuna di esse opera. All’interno del progetto, l’esplorazione di tale dimensione tattile si manifesta nei gesti che definiscono il processo artistico. Al contempo si riflette nella scelta di materiali e oggetti concepiti in relazione al corpo e alle ritualità domestiche che lo coinvolgono. Tuttavia, la mostra si sviluppa anche lungo traiettorie diametralmente opposte, tali da ribaltare la presunta correlazione tra il tocco e l’articolarsi di un rapporto intimo. In alcune delle opere in mostra l’esperienza tattile viene infatti completamente astratta rispetto alla dimensione corporea per divenire pura suggestione. In certi casi la rappresentazione del corpo ricalca la simulazione di una fisicità – o meglio – la sensazione tattile di una superficie corporea. In altri casi tale rappresentazione si focalizza su un particolare aspetto del corpo che, alienato dalla totalità del proprio apparato, diviene fulcro di una composizione a sé stante.
Muovendosi così su diversi livelli concettuali e visivi, la mostra decostruisce ed immagina l’idea di intimità attraverso una negoziazione fluida tra la realtà del corpo e la sua erotizzazione, tra immaginari artistici e popolari, tra dimensione pubblica e privata, tra narrative storiche e fantascientifiche, tra la definizione del se’ e la sua dissoluzione attraverso lo spazio digitale.
info@renatafabbri.it
Lydia Gifford, Searching for myself through remote skins, 2018Cartoncino, cotone, telo, legno, chiodi, colla, argilla bianca, pittura a olio, acrilico, 78,5x87x50 cm.
Bea Bonafini, Slick Submissions, 2018Tappeto intarsiato, pastello su lana e nylon, 426×366 cm (dettaglio).
Bea Bonafini, Slick Submissions, 2018Tappeto intarsiato, pastello su lana e nylon, 426×366 cm (dettaglio).
Bea Bonafini, Slick Submissions, 2018Tappeto intarsiato, pastello su lana e nylon, 426x366 cm (dettaglio).
Beatrice Gibson, Agatha, 2012Colore, suono, 16 mm trasferito su Video HD, 14 minuti.
Catherine Parsonage, Untitled (for V.W), 2018Acrilico su tela, 28x35 cm.
Catherine Parsonage, Untitled (Ear painting), 2018Olio su tela, 110x200 cm.
Gabriele Beveridge, Perfect Clearance Towering, 2018Poster trovato, vetro soffiato a mano, elemento in acciaio, cornice d'artista, 39x62x23 cm.
Gabriele Beveridge, Skin for either one, 2017Poster trovato, granito, 50x83x7,5 cm.
Goldschmied & Chiari, Enjoy, 2006Scultura in resina di silicone, sfere di 10 cm di diametro, 2 metri.
Goldschmied & Chiari, Enjoy, 2006Scultura in resina di silicone, sfere di 10 cm di diametro, 2 metri.
Irene Fenara, Photo from surveillance camera, 2018Stampa digitale, 50x88,8 cm.
Irene Fenara, Photo from surveillance camera, 2018Stampa digitale, 50x88,8 cm (dettaglio).
Lydia Gifford, Harbour, 2018Tela, legno, chiodi, argilla bianca, colore a olio, acrilico, stringa, telo, 240x139x11 cm.
Lydia Gifford, Caps, 2018Carta satinata Somerset, gouache, carboncino, pastello morbido, 125x78 cm.
Rebecca Ackroyd, Husk 2017Carta satinata Somerset, gouache, carboncino, pastello morbido, 125x78 cm.
Rebecca Ackroyd (UK, 1987) vive e lavora a Londra. Nel 2015 ha preso un diploma post laurea in Fine Art alla Royal Academy di Londra. Nel 2010 si è laureata in Fine Art alla Byam Shaw School of Art, Londra.
Ha esposto le sue opere in diverse mostre personali e collettive come: Fondazione Pomodoro, Milano (2020); Christine Koenig Gallerie, Vienna, AT (2020); 15e Biennale de Lyon, Lyon, FR (2019); Peres Projects, Berlino (2018); Galleri Opdahl, Stavanger, Norvegia (2017); Zabludowicz Collection, Londra (2017); Outpost Gallery, Norwich (2017); Chapter Gallery, Cardiff (2017); Herald Street, Londra (2016); Whitechapel Gallery, Londra (2016); Assembly Point, Londra (2016); Hunter/Whitfield, Londra (2015); David Roberts Art Foundation, Londra (2015); Whitechapel Gallery, Londra (2015).
Rebecca Ackroyd (UK, 1987) vive e lavora a Londra. Nel 2015 ha preso un diploma post laurea in Fine Art alla Royal Academy di Londra. Nel 2010 si è laureata in Fine Art alla Byam Shaw School of Art, Londra.
Ha esposto le sue opere in diverse mostre personali e collettive come: Fondazione Pomodoro, Milano (2020); Christine Koenig Gallerie, Vienna, AT (2020); 15e Biennale de Lyon, Lyon, FR (2019); Peres Projects, Berlino (2018); Galleri Opdahl, Stavanger, Norvegia (2017); Zabludowicz Collection, Londra (2017); Outpost Gallery, Norwich (2017); Chapter Gallery, Cardiff (2017); Herald Street, Londra (2016); Whitechapel Gallery, Londra (2016); Assembly Point, Londra (2016); Hunter/Whitfield, Londra (2015); David Roberts Art Foundation, Londra (2015); Whitechapel Gallery, Londra (2015).
Gabriele Beveridge (Hong Kong, 1985) vive e lavora a Londra. Nel 2010 ha conseguito la laurea magistrale in Fine Arts alla Slade School of Art e nel 2007 ha conseguito la laurea triennale in Fotografia al Falmouth College of Arts.
Alcune tra le sue mostre personali includono: Parisian Laundry, Montreal (2017); CHEWDAY’S, Frieze Focus, Londra (2016); Deweer Gallery, Otegem (2016); CHEWDAY’S, Londra (2016); MOT International, Bruxelles (2015); Elizabeth Dee, New York (2014); La Salle de Bains, Lione (2014); Zabludowicz Collection, Londra (2014); Van Horbourg, Zurigo (2013). Tra le mostre collettive a cui ha preso parte: Echoes of the Ornamental Garden, Seventeen, Londra (2018); Folly, EMALIN, Stirling, Scozia (2016); National Gallery 2: Empire, CHEWDAY’S, Londra (2015); Summertime, Gallerist, Istanbul (2015); Pre-Pop to Post-Human, Hayward Gallery, Londra (2015); Between the lines, Galería Agustina Ferreyra, San Juan (2014); Display, University of Connecticut Contemporary Art Gallery, Connecticut (2014); La Chose Encadree, Glasgow International (2014); Comrades of Time Comrades of Time, Cell Project Space, Londra (2013); Desire, Yancey Richardson Gallery, New York (2013).
Gabriele Beveridge (Hong Kong, 1985) vive e lavora a Londra. Nel 2010 ha conseguito la laurea magistrale in Fine Arts alla Slade School of Art e nel 2007 ha conseguito la laurea triennale in Fotografia al Falmouth College of Arts.
Alcune tra le sue mostre personali includono: Parisian Laundry, Montreal (2017); CHEWDAY’S, Frieze Focus, Londra (2016); Deweer Gallery, Otegem (2016); CHEWDAY’S, Londra (2016); MOT International, Bruxelles (2015); Elizabeth Dee, New York (2014); La Salle de Bains, Lione (2014); Zabludowicz Collection, Londra (2014); Van Horbourg, Zurigo (2013). Tra le mostre collettive a cui ha preso parte: Echoes of the Ornamental Garden, Seventeen, Londra (2018); Folly, EMALIN, Stirling, Scozia (2016); National Gallery 2: Empire, CHEWDAY’S, Londra (2015); Summertime, Gallerist, Istanbul (2015); Pre-Pop to Post-Human, Hayward Gallery, Londra (2015); Between the lines, Galería Agustina Ferreyra, San Juan (2014); Display, University of Connecticut Contemporary Art Gallery, Connecticut (2014); La Chose Encadree, Glasgow International (2014); Comrades of Time Comrades of Time, Cell Project Space, Londra (2013); Desire, Yancey Richardson Gallery, New York (2013).
Bea Bonafini è un’artista interdisciplinare che vive e lavora tra Londra e Barcellona. Attraverso una varietà di mezzi come pittura, arazzo, ceramica e disegno, Bonafini esplora l’intersezione tra l’umanità e altre forme di esistenza. I suoi interessi includono la natura ciclica dei materiali e dei simboli, la rivisitazione e il recupero di mitologie interculturali e le loro reinterpretazioni contemporanee, nonché la dimensione emotiva del colore. La sua recente ricerca attinge alla riscoperta delle mitologie del Mediterraneo e a narrazioni legate al simbolismo, a processi di produzione collaborativi, all’ibridità e al movimento.
Le opere di Bonafini si caratterizzano per toni trascendentali, presentando scenari vorticosi, frammentati e stratificati, che appaiono al tempo stesso delicati e carichi di energia. Spaziando da una dimensione monumentale a una più intima, i suoi lavori mantengono un’aura di sacralità, diventando ricettacoli per una spiritualità perduta. Fortemente influenzata dall’archeologia e dalla letteratura, la ricerca dell’artista celebra combinazioni e giustapposizioni nuove e inaspettate, in cui confini e identità coesistono e si fondono in modo sinergico.
Dopo il diploma in arti visive alla Slade School of Fine Art di Londra nel 2014, ha conseguito un master in pittura nel 2016 al Royal College of Art di Londra. È stata recentemente artista in residenza presso ArtExplora Mediterranean Project (2024) e la British School di Roma (2020). Le installazioni su commissione includono: ALA Prize, Italia (2023); Palazzo Abatellis, Italia (2022); Meta HQ, UK (2022); La Berlugane-Maleki residence, Francia; Maison Estelle, UK (2018); e Jonköping Council, Svezia (2018).
Tra le recenti mostre personali: Luminescence, Renata Fabbri, Milan (2024); Acque Amare, ALA Art Foundation (2023); Il Chiostro Animato, Museo di Roma in Trastevere, Roma (2022); A Monstrous Fruit, Setareh, Berlino (2022); Animals Of Your Lips, Bosse & Baum, Londra (2022); Unearthly, Nosbaum Reding, Lussemburgo (2022); Ghosts for a Post-Modern Tale, LAAA, Città del Messico (2022); Luna Piena (Stomaco Vuoto), Renata Fabbri, Milano (2021); Sfiorare Fantasmi, Eduardo Secci, Firenze (2021); Twin Waves, Operativa, Roma (2019); Chimère, Chloe Salgado, Parigi (2018); Shed Shreds, Lychee One, Londra (2018); e Dovetail’s Nest, Zabludowicz Collection, Londra (2017).
Tra le recenti mostre collettive: Diario Notturno, MAXXI, L’Aquila (2023); Pittura Italiana Oggi, Triennale Milano (2023); Imagina, Biennale di Gubbio (2023); Horizon of the Void, Artocène, Chamonix (2023); Coppa di Stelle nel Cerchio del Sole, Palazzo Abatellis, Palermo (2022); Fondazione per l’Arte, Roma (2022); Kristen Hjellegjerde, Londra (2022); The Artsy Vanguard Fourth Edition, Miami (2021); Fondazione Sandretto, Guarene (2020); Premio Cairo, Palazzo Reale Milano (2019); e Memories Arrested in Space, Istituto Italiano di Cultura di Londra (2018).
Bea Bonafini è un’artista interdisciplinare che vive e lavora tra Londra e Barcellona. Attraverso una varietà di mezzi come pittura, arazzo, ceramica e disegno, Bonafini esplora l’intersezione tra l’umanità e altre forme di esistenza. I suoi interessi includono la natura ciclica dei materiali e dei simboli, la rivisitazione e il recupero di mitologie interculturali e le loro reinterpretazioni contemporanee, nonché la dimensione emotiva del colore. La sua recente ricerca attinge alla riscoperta delle mitologie del Mediterraneo e a narrazioni legate al simbolismo, a processi di produzione collaborativi, all’ibridità e al movimento.
Le opere di Bonafini si caratterizzano per toni trascendentali, presentando scenari vorticosi, frammentati e stratificati, che appaiono al tempo stesso delicati e carichi di energia. Spaziando da una dimensione monumentale a una più intima, i suoi lavori mantengono un’aura di sacralità, diventando ricettacoli per una spiritualità perduta. Fortemente influenzata dall’archeologia e dalla letteratura, la ricerca dell’artista celebra combinazioni e giustapposizioni nuove e inaspettate, in cui confini e identità coesistono e si fondono in modo sinergico.
Dopo il diploma in arti visive alla Slade School of Fine Art di Londra nel 2014, ha conseguito un master in pittura nel 2016 al Royal College of Art di Londra. È stata recentemente artista in residenza presso ArtExplora Mediterranean Project (2024) e la British School di Roma (2020). Le installazioni su commissione includono: ALA Prize, Italia (2023); Palazzo Abatellis, Italia (2022); Meta HQ, UK (2022); La Berlugane-Maleki residence, Francia; Maison Estelle, UK (2018); e Jonköping Council, Svezia (2018).
Tra le recenti mostre personali: Luminescence, Renata Fabbri, Milan (2024); Acque Amare, ALA Art Foundation (2023); Il Chiostro Animato, Museo di Roma in Trastevere, Roma (2022); A Monstrous Fruit, Setareh, Berlino (2022); Animals Of Your Lips, Bosse & Baum, Londra (2022); Unearthly, Nosbaum Reding, Lussemburgo (2022); Ghosts for a Post-Modern Tale, LAAA, Città del Messico (2022); Luna Piena (Stomaco Vuoto), Renata Fabbri, Milano (2021); Sfiorare Fantasmi, Eduardo Secci, Firenze (2021); Twin Waves, Operativa, Roma (2019); Chimère, Chloe Salgado, Parigi (2018); Shed Shreds, Lychee One, Londra (2018); e Dovetail’s Nest, Zabludowicz Collection, Londra (2017).
Tra le recenti mostre collettive: Diario Notturno, MAXXI, L’Aquila (2023); Pittura Italiana Oggi, Triennale Milano (2023); Imagina, Biennale di Gubbio (2023); Horizon of the Void, Artocène, Chamonix (2023); Coppa di Stelle nel Cerchio del Sole, Palazzo Abatellis, Palermo (2022); Fondazione per l’Arte, Roma (2022); Kristen Hjellegjerde, Londra (2022); The Artsy Vanguard Fourth Edition, Miami (2021); Fondazione Sandretto, Guarene (2020); Premio Cairo, Palazzo Reale Milano (2019); e Memories Arrested in Space, Istituto Italiano di Cultura di Londra (2018).
Irene Fenara (1990) vive e lavora a Bologna. Il suo lavoro investiga la gestualità che si cela dietro ogni operazione fotografica: il guardare. In particolare osserva, investiga e interpreta l’aspetto delle macchine fotografiche. Vi sono centinaia di sguardi meccanici davanti ai quali passiamo ogni giorno. Irene Fenara si focalizza sulle telecamere di sorveglianza. I devices si diffondono per motivi di controllo e sicurezza, o per proteggerci dagli altri, ma scatenano anche una serie di insicurezze. L’immagine che esse mostrano è spesso poco chiara, sporcata da una serie di errori, come ad esempio un ostacolo davanti alla lente, la mancanza di risoluzione o un’evidente alterazione cromatica. Proprio come i nostri occhi, essi (ri)vedono e trasformano la realtà, catapultandoci in un universo alternativo e misterioso.
I suoi lavori sono stati esposti in istituzioni pubbliche e private come: Fondazione Prada Osservatorio, Milano (2016); Fondazione Fotografia, Modena (2017); MAMbo, Bologna (2018); Palazzo delle Esposizioni, Roma (2018); Kunst Merano Arte, Merano (2019); Villa Merkel, Esslingen (2020); ZERO…, Milano (2021); Triennale, Milano (2021); MACRO, Roma (2021), ICA, Milano (2022) e MAXXI, Roma (2022).
Irene Fenara (1990) vive e lavora a Bologna. Il suo lavoro investiga la gestualità che si cela dietro ogni operazione fotografica: il guardare. In particolare osserva, investiga e interpreta l’aspetto delle macchine fotografiche. Vi sono centinaia di sguardi meccanici davanti ai quali passiamo ogni giorno. Irene Fenara si focalizza sulle telecamere di sorveglianza. I devices si diffondono per motivi di controllo e sicurezza, o per proteggerci dagli altri, ma scatenano anche una serie di insicurezze. L’immagine che esse mostrano è spesso poco chiara, sporcata da una serie di errori, come ad esempio un ostacolo davanti alla lente, la mancanza di risoluzione o un’evidente alterazione cromatica. Proprio come i nostri occhi, essi (ri)vedono e trasformano la realtà, catapultandoci in un universo alternativo e misterioso.
I suoi lavori sono stati esposti in istituzioni pubbliche e private come: Fondazione Prada Osservatorio, Milano (2016); Fondazione Fotografia, Modena (2017); MAMbo, Bologna (2018); Palazzo delle Esposizioni, Roma (2018); Kunst Merano Arte, Merano (2019); Villa Merkel, Esslingen (2020); ZERO…, Milano (2021); Triennale, Milano (2021); MACRO, Roma (2021), ICA, Milano (2022) e MAXXI, Roma (2022).
Beatrice Gibson è una filmmaker franco-inglese che vive e lavora tra Londra e Palermo. I suoi film sono conosciuti per la loro natura sperimentale ed emotiva. Esplorando il personale e il politico e attingendo a figure di culto della letteratura e della poesia sperimentale – da Kathy Acker a Gertrude Stein – i film sono spesso popolati da amici e influencers e citano e incorporano processi co-creativi, collaborativi. Gibson ha vinto due volte The Tiger Award for Best Short Film, Rotterdam International Film Festival, rispettivamente nel 2009 e nel 2013. Nel 2013 ha partecipato al Premio Jarman per il cinema d’artista e al Max Mara Art Prize for Women 2013-15. Nel 2015 ha vinto il 17° Baloise Art Prize, Art Basel. Recentemente è stata la vincitrice del Images Festival Marian McMahon Akimbo Award for Autobiography 2019 ed è stata inserita per la seconda volta nella lista dei candidati al Jarman Award 2019 per il film d’artista.
Gibson ha inaugurato una mostra personale al Camden Arts Centre, London, Bergen Kunsthall, Bergen Mercer Union, Toronto (2019) al KW Institute for Contemporary Art, Berlin, (2018). I suoi film sono stati mostrati in diversi film festival nel mondo, inclusi: New York Film Festival, Toronto International Film Festival, London Film Festival, Oberhausen Film Festival, Courtisane Film Festival, Punto De Vista International Documentary Film Festival e altri.
Uno dei suoi ultimi film è stato premiato a Quinzaine (Directors Fortnight) Cannes Film Festival 2019. Attualmente sta lavorando a due film: la sua prima collaborazione con la BBC films, una storia d’amore, è un un adattamento dell’Alkestis di Euripede. Alketis sarà oggetto di prossime mostre e installazioni site specific presso Ordet, Milano e Macro, Roma. I film di Gibson sono distribuiti da LUX, Londra.
Beatrice Gibson è una filmmaker franco-inglese che vive e lavora tra Londra e Palermo. I suoi film sono conosciuti per la loro natura sperimentale ed emotiva. Esplorando il personale e il politico e attingendo a figure di culto della letteratura e della poesia sperimentale – da Kathy Acker a Gertrude Stein – i film sono spesso popolati da amici e influencers e citano e incorporano processi co-creativi, collaborativi. Gibson ha vinto due volte The Tiger Award for Best Short Film, Rotterdam International Film Festival, rispettivamente nel 2009 e nel 2013. Nel 2013 ha partecipato al Premio Jarman per il cinema d’artista e al Max Mara Art Prize for Women 2013-15. Nel 2015 ha vinto il 17° Baloise Art Prize, Art Basel. Recentemente è stata la vincitrice del Images Festival Marian McMahon Akimbo Award for Autobiography 2019 ed è stata inserita per la seconda volta nella lista dei candidati al Jarman Award 2019 per il film d’artista.
Gibson ha inaugurato una mostra personale al Camden Arts Centre, London, Bergen Kunsthall, Bergen Mercer Union, Toronto (2019) al KW Institute for Contemporary Art, Berlin, (2018). I suoi film sono stati mostrati in diversi film festival nel mondo, inclusi: New York Film Festival, Toronto International Film Festival, London Film Festival, Oberhausen Film Festival, Courtisane Film Festival, Punto De Vista International Documentary Film Festival e altri.
Uno dei suoi ultimi film è stato premiato a Quinzaine (Directors Fortnight) Cannes Film Festival 2019. Attualmente sta lavorando a due film: la sua prima collaborazione con la BBC films, una storia d’amore, è un un adattamento dell’Alkestis di Euripede. Alketis sarà oggetto di prossime mostre e installazioni site specific presso Ordet, Milano e Macro, Roma. I film di Gibson sono distribuiti da LUX, Londra.
Lydia Gifford (UK, 1979) vive e lavora a Londra. Lavora con la pittura e la scultura. Si serve della pittura per trasformare un’ampia gamma di tessuti al servizio di opere astratte e minimaliste, con superfici spesso scoscese, stratificate e contorte. Uno degli elementi chiave dell’arte di Gifford è la relazione tra le sue opere e l’ambiente circostante, una relazione che crea una sorta di gioco tra assenza e affermazione, una sottile negoziazione, come una composizione musicale silenziosa.
I suoi lavori sono stati esposti in diverse mostre personali e collettive come: Malborough, Londra (2023); Martin Z. Margulies Foundation, NYFA (2021); Super Dakota, Bruxelles (2018); Centre International d’Art et du Paysage, Ile de Vassiviere, Francia (2016); Laura Bartlett Gallery, Londra (2015); Kunsthaus Baselland, Basilea (2013); David Roberts Art Foundation, Londra (2012); Galerie Micky Schubert, Berlino (2012).
Lydia Gifford (UK, 1979) vive e lavora a Londra. Lavora con la pittura e la scultura. Si serve della pittura per trasformare un’ampia gamma di tessuti al servizio di opere astratte e minimaliste, con superfici spesso scoscese, stratificate e contorte. Uno degli elementi chiave dell’arte di Gifford è la relazione tra le sue opere e l’ambiente circostante, una relazione che crea una sorta di gioco tra assenza e affermazione, una sottile negoziazione, come una composizione musicale silenziosa.
I suoi lavori sono stati esposti in diverse mostre personali e collettive come: Malborough, Londra (2023); Martin Z. Margulies Foundation, NYFA (2021); Super Dakota, Bruxelles (2018); Centre International d’Art et du Paysage, Ile de Vassiviere, Francia (2016); Laura Bartlett Gallery, Londra (2015); Kunsthaus Baselland, Basilea (2013); David Roberts Art Foundation, Londra (2012); Galerie Micky Schubert, Berlino (2012).
Sara Goldschmied (1975) ed Eleonora Chiari (1971) sono un duo artistico. Dal 2014 lavorano con il nome Goldschmied & Chiari a Milano.
Hanno raggiunto riconoscimento nazionale e internazionale collaborando con istituzioni e musei tra i quali si ricordano: Museo San Telmo, San Sebastián (2016); Museion, Bolzano (2015); MAXXI – Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Roma (2015); Fundació Joan Miró, Barcellona (2015); Fábrica de Arte Cubano, L’Avana (2014); Passerelle – Centre d’art contemporain, Brest (2014); Museo d’arte contemporanea Villa Croce, Genova (2014); MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna, Bologna (2013); Goethe Institut, Bruxelles (2013); Castello di Rivoli – Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli (2012); La Galerie – Centre d’art contemporain, Noisy-le-Sec (2012); Hallwalls Contemporary Arts Center, Buffalo (2011); MOCA – Museum of Contemporary Art, Shanghai (2010); Musée de Grenoble, Grenoble (2007); Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino (2002); Viafarini DOCVA, Milano (2002).
Hanno partecipato alla terza edizione di The Nanjing International Art Festival – New Baijia Lake Museum, Nanjing (2016), a The Fear Society, evento collaterale della LIII Biennale di Venezia, Venezia (2009), alla prima edizione di Dublin Contemporary, Dublino (2011), alla quinta edizione di Video Zone International Video Art Biennial – Center for contemporary art, Tel Aviv (2010).
Nel 2015 i loro lavori sono selezionati dal National Museum of Women in the Arts (NMWA) di Washington D.C. e dal Museo del Novecento di Milano per la mostra Organic Matters – Women to Watch 2015, NMVA, Washington D.C. (2015). Nel 2012 vincono la Borsa per Giovani Artisti Italiani – Premio del Castello di Rivoli e nel 2007 il premio Arte in Cantiere del Museion di Bolzano.
Alcuni lavori recenti sono documentati nel loro ultimo volume: Goldschmied & Chiari, La démocratie est illusion, conversation with M. Beccaria, texts by E. Bernard, I. Bonacossa, Cura.Books, Roma 2016.
Sara Goldschmied (1975) ed Eleonora Chiari (1971) sono un duo artistico. Dal 2014 lavorano con il nome Goldschmied & Chiari a Milano.
Hanno raggiunto riconoscimento nazionale e internazionale collaborando con istituzioni e musei tra i quali si ricordano: Museo San Telmo, San Sebastián (2016); Museion, Bolzano (2015); MAXXI – Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Roma (2015); Fundació Joan Miró, Barcellona (2015); Fábrica de Arte Cubano, L’Avana (2014); Passerelle – Centre d’art contemporain, Brest (2014); Museo d’arte contemporanea Villa Croce, Genova (2014); MAMbo – Museo d’Arte Moderna di Bologna, Bologna (2013); Goethe Institut, Bruxelles (2013); Castello di Rivoli – Museo d’Arte Contemporanea, Rivoli (2012); La Galerie – Centre d’art contemporain, Noisy-le-Sec (2012); Hallwalls Contemporary Arts Center, Buffalo (2011); MOCA – Museum of Contemporary Art, Shanghai (2010); Musée de Grenoble, Grenoble (2007); Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino (2002); Viafarini DOCVA, Milano (2002).
Hanno partecipato alla terza edizione di The Nanjing International Art Festival – New Baijia Lake Museum, Nanjing (2016), a The Fear Society, evento collaterale della LIII Biennale di Venezia, Venezia (2009), alla prima edizione di Dublin Contemporary, Dublino (2011), alla quinta edizione di Video Zone International Video Art Biennial – Center for contemporary art, Tel Aviv (2010).
Nel 2015 i loro lavori sono selezionati dal National Museum of Women in the Arts (NMWA) di Washington D.C. e dal Museo del Novecento di Milano per la mostra Organic Matters – Women to Watch 2015, NMVA, Washington D.C. (2015). Nel 2012 vincono la Borsa per Giovani Artisti Italiani – Premio del Castello di Rivoli e nel 2007 il premio Arte in Cantiere del Museion di Bolzano.
Alcuni lavori recenti sono documentati nel loro ultimo volume: Goldschmied & Chiari, La démocratie est illusion, conversation with M. Beccaria, texts by E. Bernard, I. Bonacossa, Cura.Books, Roma 2016.
Catherine Parsonage (Birkenhead, 1989) vive e lavora tra Londra e Roma. Nel 2011 ha conseguito la Laurea Triennale in Fine Arts alla Manchester Metropolitan University. Nel 2013 ha conseguito la Laurea Magistrale in Pittura al Royal College of Art, Londra. Il suo lavoro combina pittura, scultura, performance e poesia. L’artista mescola le esperienze personali con un ampio range di riferimenti letterari che includono romanzi, mitologia e poesia. Il suo lavoro esplora differenti emozioni e identità e genera così figure sospese tra realtà e immaginazione.
Tra i progetti realizzati: Convivium, Bosse and Baum, Londra (2018), Present Future Section, Artissima, Torino (2017); GRANPALAZZO, Bosse and Baum, Zagarolo (2016); Art Rotterdam, House of Egorn, Rotterdam (2016); A wrist that turns, House of Egorn, Berlino (2016). Ha esposto le sue opere in diverse mostre personali e collettive come: Michael Pennie Gallery, Bath Spa University; Terrace Gallery, Londra (2022); Materia, Roma (2021); Clima, Milan; Bosse & Baum, Marsiglia (2019); Renata Fabbri, Milano; Fondazione Giuliani, Roma (2018); Yellowspace, Varese (2018); House of Egorn, Berlino (2018); Garbo’s, Roma (2017); British School, Roma (2017); Hotel Contemporary, Milano (2017).
Catherine Parsonage (Birkenhead, 1989) vive e lavora tra Londra e Roma. Nel 2011 ha conseguito la Laurea Triennale in Fine Arts alla Manchester Metropolitan University. Nel 2013 ha conseguito la Laurea Magistrale in Pittura al Royal College of Art, Londra. Il suo lavoro combina pittura, scultura, performance e poesia. L’artista mescola le esperienze personali con un ampio range di riferimenti letterari che includono romanzi, mitologia e poesia. Il suo lavoro esplora differenti emozioni e identità e genera così figure sospese tra realtà e immaginazione.
Tra i progetti realizzati: Convivium, Bosse and Baum, Londra (2018), Present Future Section, Artissima, Torino (2017); GRANPALAZZO, Bosse and Baum, Zagarolo (2016); Art Rotterdam, House of Egorn, Rotterdam (2016); A wrist that turns, House of Egorn, Berlino (2016). Ha esposto le sue opere in diverse mostre personali e collettive come: Michael Pennie Gallery, Bath Spa University; Terrace Gallery, Londra (2022); Materia, Roma (2021); Clima, Milan; Bosse & Baum, Marsiglia (2019); Renata Fabbri, Milano; Fondazione Giuliani, Roma (2018); Yellowspace, Varese (2018); House of Egorn, Berlino (2018); Garbo’s, Roma (2017); British School, Roma (2017); Hotel Contemporary, Milano (2017).
- Bea Bonafini
- Bea Bonafini
- Bea Bonafini
8 settembre — 24 novembre 2024
Sant Cugat del Vallè
Monastery of Sant Cuga
- Bea Bonafini
MAXXI L’AQUILA, Roma
3 dicembre 2023 – 3 marzo 2024
A cura di Bartolomeo Pietromarchi con Chiara Bertini e Fanny Borel
- Bea Bonafini
Triennale Milano
25 ottobre 2023 – 11 febbraio 2024
A cura di Damiano Gullì
Honorary Board: Francesco Bonami, Suzanne Hudson, Hans Ulrich Obrist
- Bea Bonafini,
- Lulù Nuti,
- Serena Vestrucci
Palazzo dei Consoli e Palazzo Ducale, Gubbio
15 ottobre 2023 – 30 aprile 2024
A cura di Spazio Taverna
