We can work it out

Bea Bonafini è un’artista interdisciplinare che vive e lavora tra Londra e Barcellona.  Attraverso una varietà di mezzi come pittura, arazzo, ceramica e disegno, Bonafini esplora l’intersezione tra l’umanità e altre forme di esistenza. I suoi interessi includono la natura ciclica dei materiali e dei simboli, la rivisitazione e il recupero di mitologie interculturali e le loro reinterpretazioni contemporanee, nonché la dimensione emotiva del colore. La sua recente ricerca attinge alla riscoperta delle mitologie del Mediterraneo e a narrazioni legate al simbolismo, a processi di produzione collaborativi, all’ibridità e al movimento.

Le opere di Bonafini si caratterizzano per toni trascendentali, presentando scenari vorticosi, frammentati e stratificati, che appaiono al tempo stesso delicati e carichi di energia. Spaziando da una dimensione monumentale a una più intima, i suoi lavori mantengono un’aura di sacralità, diventando ricettacoli per una spiritualità perduta. Fortemente influenzata dall’archeologia e dalla letteratura, la ricerca dell’artista celebra combinazioni e giustapposizioni nuove e inaspettate, in cui confini e identità coesistono e si fondono in modo sinergico.

Dopo il diploma in arti visive alla Slade School of Fine Art di Londra nel 2014, ha conseguito un master in pittura nel 2016 al Royal College of Art di Londra. È stata recentemente artista in residenza presso ArtExplora Mediterranean Project (2024) e la British School di Roma (2020). Le installazioni su commissione includono: ALA Prize, Italia (2023); Palazzo Abatellis, Italia (2022); Meta HQ, UK (2022); La Berlugane-Maleki residence, Francia; Maison Estelle, UK (2018); e Jonköping Council, Svezia (2018).

Tra le recenti mostre personali: Luminescence, Renata Fabbri, Milan (2024); Acque Amare, ALA Art Foundation (2023); Il Chiostro Animato, Museo di Roma in Trastevere, Roma (2022); A Monstrous Fruit, Setareh, Berlino (2022); Animals Of Your Lips, Bosse & Baum, Londra (2022); Unearthly, Nosbaum Reding, Lussemburgo (2022); Ghosts for a Post-Modern Tale, LAAA, Città del Messico (2022); Luna Piena (Stomaco Vuoto), Renata Fabbri, Milano (2021); Sfiorare Fantasmi, Eduardo Secci, Firenze (2021); Twin Waves, Operativa, Roma (2019); Chimère, Chloe Salgado, Parigi (2018); Shed Shreds, Lychee One, Londra (2018); e Dovetail’s Nest, Zabludowicz Collection, Londra (2017).

Tra le recenti mostre collettive: Diario Notturno, MAXXI, L’Aquila (2023); Pittura Italiana Oggi, Triennale Milano (2023); Imagina, Biennale di Gubbio (2023); Horizon of the Void, Artocène, Chamonix (2023); Coppa di Stelle nel Cerchio del Sole, Palazzo Abatellis, Palermo (2022); Fondazione per l’Arte, Roma (2022); Kristen Hjellegjerde, Londra (2022); The Artsy Vanguard Fourth Edition, Miami (2021); Fondazione Sandretto, Guarene (2020); Premio Cairo, Palazzo Reale Milano (2019); e Memories Arrested in Space, Istituto Italiano di Cultura di Londra (2018).

Ana Cardoso (Lisbona, 1978) vive e lavora fra Lisbona e New York. La sua pratica pittorica è versatile e si snoda tra astrazione e informe, materialità e illusionismo, concettualismo e ready-made. Ciò permette all’artista di esplorare il contenuto “elastico” della pittura in relazione al suo contesto specifico, e di indagarne la produzione in relazione alla sua presentazione, focalizzandosi nel rapporto tra la pittura stessa e l’osservatore il quale, secondo l’artista nel corso della storia della pittura, ma anche nell’era digitale, ha sempre avuto il compito di interpretarne e “agirne” la natura bidimensionale e la profondità. Le opere dell’artista si configurano in strutture predefinite – tele modulari che aderiscono comodamente all’estensione delle sue braccia aperte (triangoli, quadrati, parallelogrammi, rettangoli ecc…) – che si evolvono in composizioni dinamiche, a loro volta nuovamente rimescolate, ricombinate, sovrapposte una sull’altra o mosse come all’interno di un vasto paesaggio di frammenti geometrici. Svelando dimensioni diverse nelle varie fasi del processo di produzione e distribuzione nello spazio, i dipinti di Cardoso “suggeriscono” pieghe ottiche nel momento stesso in cui sono installati. Si creano così delle configurazioni di strisce piegate e ripiegate che giocano con i concetti di recto-verso e tridimensionalità, diventando performance che inglobano un più vasto concetto di pittura. All’interno del corpus pittorico inclusivo di Ana Cardoso, il neoconcretismo e il formalismo si caratterizzano come alfabeti liberi ed aperti che il corpo abita per riformulare logiche e parametri passati, utilizzando la struttura e il monocromo come veicoli di sperimentazione romantica, luogo di incidenti, interrogativi, contaminazioni, incontri, e serie continua di gesti autoriflessivi e mediati.

Ana Cardoso ha conseguito nel 2006 un master in arti visive presso l’Hunter College, New York.

La sua mostra più recente, Leaky Abstraction, è in corso al MAAT Museum di Lisbona fino al 4 settembre 2023.

Cardoso ha esposto in diverse mostre personali come: Renata Fabbri, Milano (2023); Nuno Centeno, Porto (2019); Parapet Real Humans, St Louis (2018); Temnikova & Kasela, Tallin (2017); Jablonka Maruani Mercier, Knokke (2016); Andrew Rafacz, Chicago (2015); MNAC, Lisbona (2015); Longhouse Projects, New York (2014); Maisterravalbuena, Madrid (2012); tra le altre.

Alcune tra le mostre collettive alle quali ha preso parte sono: Galerias Municipais – Galeria da Boavista, Lisbona (2022); Calouste Gulbenkian Museum, Lisbona (2018–19); Rachel Uffner, New York (2015); Cluj-Napoca Art Museum, Cluj (2012); Marianne Boesky, New York (2012); Prague Biennial 5, Praga (2011); Tate St Ives, Cornwall (2011); Simone Subal, New York (2011); The Kitchen, New York (2009).

Il suo lavoro è apparso su riviste come Artforum, Flash Art, Mousse, Modern Painters, Art in America, The Brooklyn Rail, Contemporânea, e incluso nel volume Painting Now edito da Suzanne Hudson, pubblicato da Thames & Hudson (Londra) nel 2015.

Cardoso è stata premiata  con il Pollock-Krasner Foundation grant (2019–20) ed è stata nominata per Shandaken: Projects, Paint School master class, New York (2018–19).

T-Yong Chung (Tae-gu, Corea del Sud, 1977) vive e lavora a Milano. La classicità, l’arte povera e il minimalismo sono elementi che ritornano nei suoi lavori scultorei ed installativi, in cui la tensione fra la pienezza della cultura occidentale e l’essenzialità di quella orientale, genera un pieno equilibrio formale. L’artista utilizza spesso materiali di scarto, come sedie antiche, utensili arrugginiti e pezzi di lamiera che smembra e ricompone, leviga e lucida, conferendo loro una nuova identità, sempre legata alla dignità del passato. Note sono le sue sculture raffiguranti volti umani realizzati in gesso, ceramica, resina, cera e bronzo. Ispirati a personaggi della classicità greca e romana, così come a figure più contemporanee della cultura europea vicine alla quotidianità e all’esperienza personale dell’artista, questi busti si contraddistinguono per un taglio netto – realizzato a mano e successivamente levigato dall’artista – che ne astrae le sembianze, evocando così l’idea di un’assenza, una presenza interrotta o sospesa. È attraverso questo processo di sottrazione e cancellazione – gesti intesi, nella cultura orientale, come atti generativi – che le opere dell’artista rivelano la propria essenza nella ricerca di nuove prospettive spaziali, nuovi spazi costruttivi ed identitari.

T-Yong Chung si è laureato in Environmental Sculpture presso l’Università di Seoul e ha successivamente conseguito il Diploma in Scultura presso l’Accademia di Belle Arti di Brera. Nel 2016 ha partecipato all’ACAW, Field Meeting Take 4, Solomon R.Guggenheim Museum & Asia Society, New York e al Gangjeong Contemporary Art Festival, The ARC, Tae-gu (Corea del Sud). Il suo lavoro è stato esposto al Padiglione Esprit Nouveau di Bologna, allo Space BAR di Tae-gu (Corea del Sud), al Museo d’arte contemporanea di Lissone, al Nuovo Spazio Espositivo di Casso nell’ambito della rassegna Dolomiti Contemporanee, alla Fondazione Spinola Banna di Torino, alla Galleria Civica d’Arte Contemporanea di Trento. Sue mostre personali si sono tenute alla galleria Renata Fabbri, Otto Zoo, allo spazio MARS di Milano e alla Car Project Gallery di Bologna. Ha partecipato a numerose residenze e workshop in Italia, tra cui: Museo Carlo Zauli di Faenza, alla Fondazione Bevilacqua La Masa di Venezia e a Madeinfinlandia a Pergine Valdarno.

Elif Erkan (Ankara, Turchia, 1985) vive e lavora a Vienna. Ha conseguito il Master in Belle Arti presso l’Otis College of Art and Design di Los Angeles nel 2016 e la laurea presso la Städelschule di Francoforte sul Meno, Germania nel 2013.

Tra le mostre personali recenti: Where you they form, The Pill (Istanbul, 2020); What is that possesses me, Weiss Berlin (Berlino, 2018); Ex Oriente Lux, Park View (Los Angeles, 2016); Lotus Eaters, Weiss Berlin (Berlino, 2016); Standards for Living, Maison des Arts, (Bruxelles, 2015); Konzentration der Kräfte, Portikus, (Francoforte, 2015).

Ha partecipato a varie mostre collettive, tra le quali: Biennale Sculpture Garden, a cura di Devrim Bayar (Ginevra, 2022); Desilusionarium V, Night Gallery (Los Angeles, 2021); What Remains Is What The Poets Found, PS120 (Berlino, 2018); Work Loves Me, Lanserhaus, Appiano sulla strada del vino (Italia, 2018); LA Should Die Vor Glück, Just Married (Alhambra/Los Angeles, 2017); The New Normal, Ashkal Alwan (Beirut, 2017); Paroxysm of Union, Kunsthalle Freeport Union (Atene, 2017); The New Normal, Supa Salon (Istanbul, 2017); We remember it for you wholesale, CTA Building, Sydney (Australia, 2017); Cum-Ex, Kunsthalle Freeport Union (Berlino, 2017); We remember it for you wholesale, Part II, Minerva (Sydney, 2017); Home, Night Club (Chicago, Illinois, USA 2016); Capital. Debt, Territory, Utopia, Hamburger Bahnhof, (Berlino, 2016); Gut Instinct, The Gluckman Museum (Cork, Irlanda, 2016); The Social Register, Park View (Los Angeles, 2015); A Possible Collection, Honolulu (Zurigo, 2015); Career Woman, Holz Kohle Koks (Berlino, 2015); Villa Aurora Revisited, organizzata da Park View, Balice Hertling (New York, 2015); Cookie Gate, Ellis King (Dublino, 2015); Caught in the Act, Kriya 3000 (New York, 2015); My, My a Body does get around, Wilfried Lentz Gallery (Rotterdam, 2015); Lemon Leaves, Villa Aurora (Los Angeles, 2015).

Tra le sovvenzioni ricevute: Hessiche Kulturstiftung (2020); Paris Studio Residency (2016); Villa Aurora Berlin Fellow (2015). Ha partecipato a diverse residenze: La cité internationale des arts (Parigi, 2020/2021); Eau et Gaz, Appiano sulla strada del vino (Italia, 2018); Villa Aurora Berlin Fellowship (Berlino, 2016); WIELS Residency Program (Bruxelles, 2014).

Matthieu Haberard (Tolosa, 1991) vive e lavora a Parigi. Nel 2013 ha conseguito una laurea in Belle Arti presso l’ISDAT di Tolosa e nel 2016 un master in Belle Arti presso l’École nationale supérieure des beaux-arts di Parigi. Spaziando fra linguaggi espressivi eterogenei, la ricerca di Haberard indaga la soglia che separa l’infanzia dall’età adulta. È in questo limbo ambiguo e carico di potenzialità che la poetica dell’artista prende forma, in bilico fra fantasie fanciullesche – combattimenti, metamorfosi, imprese titaniche e prodezze – e l’ironica rappresentazione del reale. Attraverso uno sguardo ludico e attento nei confronti della contemporaneità, Haberard crea sculture che si rifanno all’immaginario cavalleresco del Medioevo: maschere, elmi, spade, scudi, armature minuziosamente decorate e realizzate artigianalmente con materiali semplici come legno e cartone. Intese come reliquie di epoche passate e battaglie fittizie, le sue opere – desemantizzate e private della loro funzione difensiva – ci ricordano quel labile confine che sussiste fra il gioco e la violenza, l’innocenza e la malizia, il desiderio infantile e la disillusione dell’età adulta. I suoi disegni sono invece spesso ispirati ai modelli marziali tradizionali cinesi e giapponesi, distillati fino alla loro riduzione più minimalista.

Tra le recenti mostre personali: Gianni Manhattan, Vienna (2017, 2019 e 2022); Renata Fabbri, Milano (2021); L’assaut de la menuiserie, Saint-Étienne (2021) e École nationale supérieure des beaux-arts, Parigi (2016). Il suo lavoro è stato inoltre presentato in numerose mostre collettive, tra le quali: Palais des Beaux Arts, Parigi (2020); Galerie Hussenot, Parigi (2020); Renata Fabbri, Milano (2020); Minimarket, Parigi (2019); Bwa Gallery, Varsavia (2019); Gianni Manhattan, Vienna (2019); Halle de la Villette, Parigi (2019); Fondation Emerige, Parigi; DOC, Parigi; Wendy Gallery, Parigi (2018) e Fondation d’entreprise Pernod Ricard (2017). Nel 2022 Haberard è stato artista in residenza presso Maroquinerie de Guyenne in Saint-Vincent-de-Paul (Gironde), nel contesto delle residenze d’artista promosso dalla Fondation d’entreprise Hermès.

Sophie Ko (Tbilisi, 1981) vive e lavora a Milano. Al centro della ricerca dell’artista c’è il concetto di tempo che viene esplorato nella sua forte relazione simbolica con i materiali utilizzati – per lo più ceneri di immagini bruciate e pigmenti puri – e le immagini create. Il mutamento e l’instabilità dei materiali in relazione allo scorrere del tempo sono dunque alcune delle costanti della sua ricerca artistica. Le Geografie temporali, ad esempio, costituiscono l’esemplificazione di un’opera eternamente sospesa tra l’atto della creazione e quello della distruzione, in cui l’immagine è sottoposta a un continuo processo di modificazione attraverso il collasso lento e inesorabile della materia di cui è costituita. Concepita attraverso una negoziazione concettuale e formale tra scultura e pittura, questa serie di opere mette in scena “un legame fatto di peso, di pressione, di gravità e di distruzione del tempo sulle immagini, ma anche di formazione, di profondità, di ritorno e rinascita rispetto al trascorrere del tempo.” Metafore pregnanti della caducità e mutevolezza dell’esistenza, ci ricordano della traiettoria di vita che tracciamo, parallela a un movimento di collasso, lento ma persistente.

Tra le mostre personali: Renata Fabbri, Milano (2015, 2018 e 2023); Contemporary Locus, Bergamo (2023); Postmasters Roma, con Marta Kucsora (2023); Museo Marino Marini, Firenze (2022); EAST Galerie, Strasburgo (2022); Galleria de’ Foscherari, Bologna (2016 e 2021–22); BUILDINGBOX, Milano (2021); BUILDING Gallery, Milano (2020); Ca’Pesaro – Galleria Internazionale d’Arte Moderna, Venezia (2019); The OpenBox, Milano (2018). Le recenti mostre collettive includono: Palazzo Ducale di Gubbio (2022); Fondazione Malvina Menegaz, Castelbasso (2021); Albergo delle Povere, Palermo (promossa da RISO – Museo regionale d’Arte Moderna e Contemporanea di Palermo) (2021); Palazzo Barbò Torre Pallavicina, Bologna (2021); MAC – Museo d’Arte Contemporanea di Lissone (2021) e Renata Fabbri, Milano (2020), tra le altre. Nel 2016 Sophie Ko ha vinto il Gran Premio della Pittura al MAC di Lissone.

Il lavoro di Giovanni Kronenberg (Milano, 1974, vive e lavora a Milano) si compone prevalentemente di disegni e sculture: manufatti e reperti naturali insoliti o rari – rocce e pietre, minerali e cristalli preziosi, corna, ossa, pellicce, spugne marine e uova di struzzo – che l’artista definisce come “non consumati dagli sguardi.” Spesso oggetti di collezionismo, Kronenberg interviene su di essi con inserimenti e trasformazioni che mettono in dialogo tempi distanti e in nessun caso raggiungibili tra loro. Attraverso operazioni come la torsione, l’occlusione, la sostituzione, la sovrapposizione, ma anche, all’opposto, mediante interventi lievi e temporanei, l’artista crea oggetti inaspettati dall’aspetto eccentrico, magnetico e al tempo stesso perturbante. La costruzione di una “grammatica combinatoria” è l’operazione alla base del suo lavoro: un linguaggio che opera sulla lenta sedimentazione di qualità evocative che gli oggetti possiedono di per sé e sulla successiva alterazione di quelle stesse qualità attraverso forme di intrusione. Questo rapporto tra gli oggetti e la realtà, per lo più ambiguo e sfuggente, costituisce una chiave d’accesso anche ai disegni, in cui l’immagine, sospesa in una dimensione astratta, dà vita a uno spazio senza riferimenti che sembra tradurre la presenza della figura in una specie di epifania o apparizione.

Tra le mostre personali: z2o Sara Zanin, Roma (2016, 2019 e 2022); Renata Fabbri, Milano (2017 e 2020); Quartz Studio, Torino (2020); Galleria Fuoricampo, Siena/Bruxelles (2014) e Studio Guenzani, Milano (2006, 2007 e 2012). Kronenberg ha esposto in mostre collettive in gallerie private e musei, tra cui: Museo Civico Villa La Rinchiostra, Massa (2021); Museo Diocesano, Foligno (2021); z2o Sara Zanin, Roma (2020); Renata Fabbri, Milano (2020); Museo Civico Medievale di Bologna (2020); Basilica Palladiana, Vicenza (2013); MACRO – Museo d’Arte Contemporanea, Roma (2012); Istituto Polacco di cultura, Roma (2012); Nomas Foundation, Roma (2012); Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Torino (2011); Castello Colonna di Genazzano, Genazzano (2010); Peep-Hole, Milano (2009 e 2010); Museo D’Arte Contemporanea Lugano (2009); MAXXI – Museo nazionale delle arti del XXI secolo, Roma (2007); Galleria Comunale d’Arte Contemporanea, Monfalcone (2008); Arte all’Arte X, San Gimignano (2005); Viafarini, Milano (2004 e 2005) e Fondazione Antonio Ratti, Como (2003).

Andrea Martinucci (Roma, 1991) vive e lavora fra Milano e Roma. Il suo fare artistico si nutre di assemblaggi e intricate sovrapposizioni pittoriche capaci di generare ambientazioni rarefatte e surreali. Attraverso processi di lacerazione, frammentazione e ricomposizione dell’immagine, l’artista crea narrazioni metaforiche non lineari che utilizzano l’umorismo, l’assurdità e la poesia per esplorare temi come l’amnesia, il trauma e la sublimazione. Nel tentativo di ipotizzare forme e dimensioni “altre” di esistenza, Martinucci interroga l’ordinarietà della realtà circostante accogliendo attraverso il medium pittorico tutto ciò che è fortuito ed ignoto. Guanti in lattice, sedie, scarpe, elementi vegetali – detriti di una società che accelera inesorabilmente verso il proprio collasso – sono i soggetti ricorrenti nei suoi lavori. Attingendo da inconsce reminiscenze che emergono sotto forma di libere associazioni, Martinucci invita lo spettatore ad esplorare mondi indefiniti e sospesi, nuovi spazi entro cui maturare una maggiore consapevolezza del proprio io interiore.

Le sue opere sono state esposte in mostre personali e collettive presso: IIC Los Angeles (2022); IUNO, Roma (2022); Renata Fabbri, Milano (2022, 2021 e 2019); VUNU Gallery, Kosice (2020); ZETA Contemporary Art Center, Tirana (2021); Tang Contemporary Art, Hong Kong (2020); In De Ruimte, Gent (2019); Palazzo Reale, Milano (2019); FuturDome, Milano (2017); Museo Archeologico e d’Arte della Maremma, Grosseto (2017); Institut Français – Palazzo delle Stelline, Milano (2016); Mattatoio, Roma (2016); Palazzo delle Esposizioni, Roma (2012); Museo d’Arte Contemporanea Villa Croce, Genova (2012) e Fondazione Pastificio Cerere, Roma (2012). Nel 2020 Martinucci è tra i vincitori di Cantica21. Italian Contemporary Art Everywhere (MAECI-DGSP/MiC-DGCC), con l’opera Turbomondi (Melodia), una video installazione destinata alla collezione pubblica dell’Istituto Centrale per la Grafica, Roma. Ha preso parte a diversi progetti tra cui: Tonight we are young – New Italian Art, Triennale, Milano (2022); Fenomeno Pasquarosa, La Fondazione – Fondazione Nicola Del Roscio, Roma (2020); MANIFesta – Iniziative di II, MACRO – Museo d’Arte Contemporanea di Roma (2021); Rereading the Archive, Fondazione ICA Milano (2022) e SPRINT, Spazio O’, Milano (2017).

Clarissa Falco, (Genova, 1995). Ha frequentato il master in Visual Arts and Curatorial Studies presso NABA, Milano. Lavora, come artista visuale e performer, su tematiche legate al corpo nella sua condizione di costante dialogo con elementi meccanici. Le sue opere nascono dall’idea del corpo come macchina, che è privata della sua apparenza per diventare motore e ingranaggio. Nell’attività performativa, il binario macchina-corpo è espresso attraverso un gesto automatico del performer, come se fosse intrappolato in un loop.

Il dialogo con la scienza e come essa si relaziona al corpo che si muove, sono gli elementi al centro dell’interesse dell’artista per la macchina. Con questo termine Falco si riferisce alla struttura ma anche alle pratiche etiche, sociali, politiche e culturali che ci riguardano. Ma quali sono i limiti politici, etici, sociali ed estetici del corpo? Il successo consolidato del genere horror e fantascientifico nella letteratura e nel cinema, è sintomo di un nuovo fenomeno che preferisce il deviato, o il mutato, rispetto alla versione convenzionale dell’essere umano.

Nella sua pratica artistica Clarissa Falco vuole uscire dalla fantasia putrefatta per cui la bellezza del corpo anomalo non è progettata per spingere verso una rappresentazione del soggetto e sottolinea la necessità di pensare all’unità del corpo – macchina.

Giulio Saverio Rossi (Massa, 1988) vive e lavora a Torino. Ha studiato Pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia e presso l’Accademia di Belle Arti di Torino. Insegna presso l’Accademia di Belle Arti di Urbino.

Le sue mostre personali includono: Il giardino di notte, Casa Masaccio (San Giovanni Valdarno, 2021); Nuova Scuola delle Nuvole e della Nebbia, Sichuan Fine Arts Institute (Chongqing, Cina, 2019). Le sue opere sono state esposte in diverse mostre collettive, spazi istituzionali e musei tra cui: Istituto Italiano di Cultura di Tokyo (Tokyo, 2021) e GAM (Torino, 2020).  Ha partecipato a programmi internazionali come: China Project, promosso da MAD Murate Art District e Zhong Art International (Chongqing, 2019); Mediterranea18, BJCEM (Albania, 2017); Real Presence, Castello di Rivoli Museo d’arte contemporanea (Belgrado, Rivoli, 2008). Nel 2020 ha vinto Cantica21. Italian contemporary art everywhere, promosso da MIC (DGCC) e MAECI (DGSP).  Le sue opere sono diventate parte della collezione Cassa Depositi e Prestiti.