Il mio Telaio, la tua Laura

Attraverso l’utilizzo di diversi stili e approcci esecutivi, Chris Rocchegiani (Jesi, 1977) esplora gli aspetti compositivi emergenti dalla sovrapposizione di segno e colore. I suoi dipinti si caratterizzano per la coesistenza di linguaggi eterogenei: elementi figurativi più o meno riconoscibili si confondono con parti gestuali e sintetiche, dettate dalla predominanza del segno e dell’azione, e aree indefinite di colore, dal carattere più lirico ed evocativo. Il suo linguaggio è plurimo e non lineare; retrocede e avanza, si presta all’esperienza visiva in momenti di maggiore o minore chiarezza, facendo dell’errore, dell’incertezza e della contraddizione gli attributi necessari di un’esperienza pittorica intesa come intimo esercizio di libertà.

L’assenza, l’esperienza al di fuori del corpo, la trasformazione della materia e il superamento dei limiti fisici sono alcune delle tematiche al centro della sua ricerca artistica. Questa idea di transizione e mutamento è accentuata da una tensione costante all’interno dei suoi dipinti tra maschile e femminile, umano ed animale, tra vita terrena e dimensione extracorporea. Nelle sue opere, gli opposti si amalgamano, i confini tra i generi e le specie si dissolvono e la morte stessa costituisce un passaggio essenziale per la metamorfosi dell’essere. Emblematica è la rappresentazione di animali selvatici come il lupo, simbolo del legame ancestrale con la natura e archetipo di salvezza, saggezza e intuitività; o ancora gli uccelli, che, anziché essere raffigurati in volo, sono fermamente ancorati nella scena, agendo come elementi che generano una tensione ascetica verticale.

Da sempre interessata alla natura trascendentale e spirituale della pittura, Rocchegiani si spinge al di là della materialità dell’esperienza terrena dalla quale essa trae origine. I suoi dipinti suggeriscono possibilità di vita più ampie, rompendo la convenzionalità dell’esistenza in cui ci confiniamo quando non siamo in grado di guardare oltre ciò che è strettamente “umano”.

Chris Rocchegiani si è diplomata in arti figurative presso l’Istituto Statale d’Arte di Jesi e ha conseguito la laurea in Graphic Design presso l’ISIA di Urbino. È artista, art director, docente di grafica presso l’ACCA Academy e docente di Basic Design presso il Dipartimento di Design e Architettura dell’Università di Camerino. È co-fondatrice di CH RO MO insieme a Roberto Montani, un duo di ricerca che si occupa di linguaggi visivi nel design e nell’arte; e fondatrice di Pensiero Manifesto, un collettivo di creativi tra cui artisti, grafici e illustratori, che utilizza i manifesti come strumento di pubblica utilità, coltivando pratiche di ascolto e restituzione alla comunità.

Nel campo del design, i suoi progetti sono stati premiati agli European Design Awards, agli Aiap Women Design Awards, dall’ADI (entrando nella rosa dei candidati per il Compasso d’Oro) e dalla Fondazione Cariplo per l’Innovazione Culturale.

Tra le mostre più recenti si ricordano: Pittura italiana oggi, Triennale Milano, Milano (2023); Linea 1201, MAXXI L’Aquila, L’Aquila (2022); Jumelles culturelles, Château de Mayenne, Mayenne (2022); La ripetizione, Projecktraum 145, Berlino (2021); I know you know that you know, Galleria Yudikone, Brescia (2020); Total Recall, Galleria Bianconi (2020), Milano; Libere Tutte, Casa Testori, Novate Milanese (2019); Diagrammi, Cripta747, Torino (2019).

La ricerca pittorica di Sophie Westerlind (Stoccolma,1985) si concentra sull’esplorazione del linguaggio corporeo e dei rapporti umani. Realizzati a partire da sedute di posa dal vero o ispirandosi a fotografie, i suoi dipinti ad olio riflettono la sensibilità che l’artista dedica alle persone, al loro modo di esprimersi, di relazionarsi e di abitare i luoghi. Essi spaziano dalla rappresentazione di figure umane colte in istanti di vita ordinaria, alla suggestione di ambienti spogli ma densi di vissuto personale.

In modo particolare, il genere pittorico del ritratto consente a Westerlind di immergersi nella profondità delle relazioni umane attraverso la resa di dettagli che rivelano l’interiorità dei soggetti raffigurati e lasciano trapelare, al contempo, l’intimità che l’artista ha instaurato con loro. Questi sono amici, familiari o conoscenti che, per vari motivi, attraversano la vita di Westerlind e diventano, in modo del tutto spontaneo e intuitivo, suoi stretti interlocutori. Mediante un linguaggio empatico, l’artista trasmette la tenerezza percepita nei loro volti, espressioni, gesti e atteggiamenti, trasformando la pittura in un riflesso intimo delle emozioni e delle esperienze condivise: un esercizio di interazione e collaborazione con gli altri.

Questa sensibilità è amplificata da uno stile espressivo fortemente materico, in cui le pennellate, intense e abbondanti di impasto, si stratificano e si amalgamano sulla superficie pittorica. Il tratto veloce, la fluidità e la spontaneità del segno conferiscono ai suoi dipinti un senso di immediatezza e vitalità che richiama la dinamicità dei sentimenti e dei rapporti umani. L’utilizzo vibrante della luce e del colore, così come l’attenzione per l’espressività corporea, si rifanno all’influenza dei grandi maestri rinascimentali, come Tiziano e Tintoretto, ai quali Westerlind attinge fin dal suo approdo a Venezia.

Se, da un lato, i dipinti di Westerlind mettono in scena un intenso e ravvicinato confronto con i soggetti ritratti nel tentativo di afferrare l’emotività racchiusa nei loro corpi, dall’altro essi manifestano la ricerca impellente di un “corpo a corpo” con la pittura e la materia di cui è costituita. Questa profonda interazione con il medium pittorico si traduce in opere dense e corpose, in cui il colore sembra “eccedere” la superficie, conferendo “corporeità” a sentimenti e attimi fugaci.

Sophie Westerlind vive e lavora a Venezia. Ha studiato a Londra, dove si è laureata presso la Central Saint Martins (2011) e il Royal College of Art (2013). ll suo forte interesse per l’anatomia e il rinascimento veneziano la conducono a Venezia, dove consegue la laurea presso l’Accademia di Belle Arti (2018).
Nel 2019 ottiene una una borsa nazionale per i suoi disegni ispirati a Tintoretto dalla Royal Academy of Fine Arts a Stoccolma. Ha recentemente concluso la residenza presso la Cité Internationale des Arts a Parigi.

Tra le recenti mostre personali e collettive si ricordano: Spring Salon, Liljevalchs Konsthall, Stoccolma (2024); She affects us, indeed, Istituto Svedese, Roma (2023); You danced on the carpet and waited for her, Galerie Norbert Arns, Colonia (2023); Venice Time Case, Monitor Gallery, Roma (2023); Orbe, Galerie Ariane C-Y, Paris (2022); Pensa a Knut!, Casa Testori e Teatro deSidera, Milano (2022); Yes, I used to be a great dancer, Spazio NEUTRO, Reggio Emilia (2022); Venice Time Case, Galleria Tomaso Calabro, Milano (2021); Premio Combat, Livorno (2021); Dialogues 01, Center for Recent Drawing, Londra, UK (2021).